Edvard Munch (1863-1944) en el año 1902.

  • Profesión: Pintor.
  • Residencias: Oslo, París, Berlín.
  • Relación con Mahler: ver Marina Fistoulari Mahler (1943).
  • Correspondencia con Mahler: No.
  • Nacido: 12-12-1863 Adalsbruk, Noruega.
  • Fallecimiento: 23-01-1944 Ekely cerca de Oslo (Christiania), Noruega. 80 años.
  • Enterrado: 00-00-0000 Vår Frelsers gravlund, Oslo, Noruega.

Edvard Munch fue un pintor y grabador noruego cuyo tratamiento intensamente evocador de temas psicológicos se basó en algunos de los principios principales del simbolismo de finales del siglo XIX y tuvo una gran influencia en el expresionismo alemán a principios del siglo XX. Una de sus obras más conocidas es El grito de 19.

Edvard Munch nació en una granja en el pueblo de Ådalsbruk en Løten, Noruega, hijo de Laura Catherine Bjølstad y Christian Munch, hijo de un sacerdote. Christian era médico y oficial médico que se casó con Laura, una mujer de la mitad de su edad, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Tanto Sophie como Edvard parecen haber heredado su talento artístico de su madre. Edvard Munch estaba relacionado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch.

La familia se mudó a Christiania (ahora Oslo) en 1864 cuando Christian Munch fue nombrado médico en la Fortaleza de Akershus. La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, al igual que la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877. Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y fuera de la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Fue instruido por sus compañeros de escuela y su tía. Christian Munch también instruyó a su hijo en historia y literatura, y entretuvo a los niños con vívidas historias de fantasmas y los cuentos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe.

Según lo recordaba Edvard, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se vio ensombrecido por su mórbido pietismo. Munch escribió: “Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de la psiconeurosis. De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, el dolor y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací ”. Christian reprendió a sus hijos diciéndoles que su madre estaba mirando desde el cielo y lamentando su mala conducta. El opresivo entorno religioso, más la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas, ayudaron a inspirar sus macabras visiones y pesadillas; el niño sintió que la muerte avanzaba constantemente sobre él. Una de las hermanas menores de Munch fue diagnosticada con una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero murió pocos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: "Heredé dos de los enemigos más espantosos de la humanidad: la herencia del consumo y la locura".

La paga militar de Christian Munch era muy baja y sus intentos de desarrollar una práctica privada fracasaron, manteniendo a su familia en una pobreza gentil pero perenne. Se trasladaban con frecuencia de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch representaban estos interiores y los objetos individuales, como frascos de medicinas e implementos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte dominaba los intereses de Munch. A los trece años, Munch tuvo su primera exposición a otros artistas en la recién formada Art Association, donde admiró el trabajo de la escuela de paisaje noruega. Volvió a copiar los cuadros, y pronto comenzó a pintar al óleo.

Estudios e influencias

En 1879, Munch se matriculó en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde se destacó en física, química y matemáticas. Aprendió el dibujo a escala y en perspectiva, pero las frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch dejó la universidad decidido a convertirse en pintor. Su padre veía el arte como un "oficio impío", y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. En contraste con el pietismo rabioso de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: "en mi arte intento explicarme la vida y su significado".

En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Christiania, uno de cuyos fundadores fue su pariente lejano Jacob Munch. Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg. Ese año, Munch demostró su rápida absorción de su entrenamiento de la figura en la Academia en sus primeros retratos, incluido uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió estudio con otros estudiantes. Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un notorio bohemio de la ciudad, obtuvo la respuesta despectiva de un crítico: “Es un impresionismo llevado al extremo. Es una parodia del arte ". Las pinturas de desnudos de Munch de este período sobreviven solo en bocetos, a excepción de Standing Nude (1887). Pueden haber sido confiscados por su padre.

Durante estos primeros años, Munch experimentó con muchos estilos, incluidos el naturalismo y el impresionismo. Algunas obras tempranas recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le provocaron críticas desfavorables por parte de la prensa y le valieron constantes reprimendas por parte de su padre, quien sin embargo le proporcionó pequeñas sumas para los gastos de manutención. En un momento, sin embargo, el padre de Munch, quizás influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos una pintura (probablemente un desnudo) y se negó a adelantar más dinero para materiales de arte.

Munch también recibió la ira de su padre por su relación con Hans Jæger, el nihilista local que vivía según el código “la pasión por destruir es también una pasión creativa” y que abogaba por el suicidio como el camino definitivo hacia la libertad. Munch cayó bajo su hechizo malévolo contra el sistema. “Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o más bien de Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes ... pero eso está mal. Para entonces ya estaban formados ”. En ese momento, al contrario de muchos de los otros bohemios, Munch seguía siendo respetuoso con las mujeres, además de reservado y educado, pero comenzó a ceder ante las borracheras y las peleas de su círculo. Estaba inquieto por la revolución sexual que estaba ocurriendo en ese momento y por las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde se volvió cínico con respecto a los asuntos sexuales, expresado no solo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, un ejemplo es un largo poema llamado La ciudad del amor libre. Aún dependiente de su familia para muchas de sus comidas, la relación de Munch con su padre seguía siendo tensa por las preocupaciones sobre su vida bohemia.

Después de numerosos experimentos, Munch concluyó que el idioma impresionista no permitía una expresión suficiente. Lo encontró superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sintió la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandamiento de Jæger de que Munch debería "escribir su vida", es decir, que Munch debería explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista inició un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su "diario del alma". Esta perspectiva más profunda ayudó a moverlo a una nueva visión de su arte. Escribió que su pintura El niño enfermo (1886), basada en la muerte de su hermana, fue su primera “pintura del alma”, su primera ruptura con el impresionismo. La pintura recibió una respuesta negativa de la crítica y de su familia, y provocó otro “estallido violento de indignación moral” de la comunidad.

Solo su amigo Christian Krohg lo defendió:

Pinta, o más bien mira, las cosas de una forma diferente a la de otros artistas. Solo ve lo esencial y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, las imágenes de Munch son por regla general "incompletas", como la gente está encantada de descubrir por sí misma. Oh, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo una vez que el artista ha dicho realmente todo lo que tenía en mente, y esta es precisamente la ventaja que Munch tiene sobre los pintores de la otra generación, que realmente sabe cómo mostrarnos lo que ha sentido y lo que lo ha cautivado. ya esto subordina todo lo demás.

Munch continuó empleando una variedad de técnicas de pincelada y paletas de colores a lo largo de la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. Su lenguaje continuó variando entre naturalista, como se ve en Retrato de Hans Jæger, e impresionista, como en Rue Lafayette. Su Inger On the Beach (1889), que provocó otra tormenta de confusión y controversia, insinúa las formas simplificadas, los contornos pesados, los contrastes agudos y el contenido emocional de su estilo maduro por venir. Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque estilísticamente influenciado por los postimpresionistas, lo que evolucionó fue un tema de contenido simbolista, que representaba un estado de ánimo más que una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera muestra individual de casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió le valió una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat.

París

Munch llegó a París durante las festividades de la Exposition Universelle (1889) y compartió habitación con dos artistas noruegos. Su imagen, Morning (1884), se exhibió en el pabellón noruego. Pasaba sus mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas en vivo) y las tardes en la exposición, galerías y museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias como una forma de aprender técnica y observación). Munch registró poco entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat, "Me cansa y aburre, es adormecedor", pero disfrutó de los comentarios del maestro durante los viajes al museo.

Munch quedó cautivado por la vasta muestra de arte europeo moderno, incluidas las obras de tres artistas que resultarían influyentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, todos notables por cómo usaban el color para transmitir emociones. Munch se inspiró particularmente en la "reacción de Gauguin contra el realismo" y su credo de que "el arte era un trabajo humano y no una imitación de la naturaleza", una creencia declarada anteriormente por Whistler. Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, “no necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo en la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él ".

Ese diciembre, su padre murió, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Regresó a casa y consiguió un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando sus parientes ricos no le ayudaron y asumió la responsabilidad financiera de su familia a partir de ese momento. La muerte de Christian lo deprimió y estaba plagado de pensamientos suicidas: “Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre… Mátate y luego se acabó. ¿Por qué vivir? Las pinturas de Munch del año siguiente incluían escenas de taberna esquemáticas y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat.

Berlín

Hacia 1892, Munch formuló su estética sintetista característica y original, como se ve en Melancholy (1891), en la que el color es el elemento cargado de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancholy se exhibió en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo. En 1892, Adelsteen Normann, en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas suscitaron una amarga controversia (apodada "El asunto Munch"), y después de una semana la exposición se cerró. Munch estaba satisfecho con la "gran conmoción" y escribió en una carta: "Nunca me había divertido tanto; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tanto revuelo".

En Berlín, Munch se involucró en un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, incluido el dramaturgo e intelectual sueco August Strindberg, a quien pintó en 1892. Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que comprenderían su obra principal, El friso de la vida, se diseñó primero para la ilustración de libros, pero luego se expresó en pinturas. Vendió poco, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. Munch ya se mostraba reacio a desprenderse de sus pinturas, a las que llamaba sus "hijos".

Sus otras pinturas, incluidas las escenas de casino, muestran una simplificación de la forma y el detalle que marcó su temprano estilo maduro. Munch también comenzó a favorecer un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Dado que las poses fueron elegidas para producir las imágenes más convincentes de estados mentales y condiciones psicológicas, como en Ashes, las figuras imparten una calidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen interpretar papeles en un escenario de teatro (Muerte en la habitación del enfermo), cuya pantomima de posturas fijas significa diversas emociones; dado que cada personaje encarna una única dimensión psicológica, como en El grito, los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no se deberían pintar interiores, gente leyendo y mujeres tejiendo: habría gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando".

El grito (1893)

El Grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de El grito (1895 y posteriores). El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119,922,500 dólares estadounidenses, incluida la comisión. Es la más colorida de las versiones y se distingue por la postura hacia abajo de una de sus figuras de fondo. También es la única versión que no está en manos de un museo noruego. La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch en Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños limitados.

El grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte. Se ha interpretado ampliamente como una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. Pintado con amplias bandas de colores chillones y formas sumamente simplificadas, y empleando un alto punto de vista, reduce la figura agonizante a una calavera ataviada en medio de una crisis emocional.

1893. Edvard Munch (1863-1944). El grito.

Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado de “el estudio del alma, es decir, el estudio de mi propio yo”. Munch escribió sobre cómo surgió la pintura: “Estaba caminando por la calle con dos amigos cuando se puso el sol; de repente, el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé contra la valla, sintiéndome indescriptiblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando de miedo. Entonces escuché el enorme e infinito grito de la naturaleza ”. Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura, “durante varios años estuve casi loco ... ¿Conoces mi imagen, 'El Grito?' Estaba estirado hasta el límite, la naturaleza gritaba en mi sangre ... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar ".

Al resumir los efectos de la pintura, la autora Martha Tedeschi ha declarado: "La madre de Whistler, el gótico americano de Wood, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas, independientemente de su importancia histórica, belleza o valor económico. valor — no lo tienen: comunican un significado específico casi de inmediato a casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado la transición del reino de élite del visitante del museo al enorme lugar de la cultura popular ”.

Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte

En diciembre de 1893, Unter den Linden en Berlín fue el escenario de una exposición de la obra de Munch, que mostraba, entre otras piezas, seis pinturas tituladas Estudio para una serie: amor. Esto dio inicio a un ciclo que más tarde llamó Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte. Los motivos del “Friso de la vida”, como The Storm y Moonlight, están impregnados de atmósfera. Otros motivos iluminan el lado nocturno del amor, como Rose y Amelie y Vampire. En Death in the Sickroom, el tema es la muerte de su hermana Sophie, que volvió a trabajar en muchas variaciones futuras. El enfoque dramático de la pintura, que retrata a toda su familia, se dispersa en las figuras de dolor separadas y desconectadas. En 1894 amplió el espectro de motivos añadiendo Ansiedad, Cenizas, Madonna y Mujeres en tres etapas (de la inocencia a la vejez).

Hacia principios del siglo XX, Munch trabajó para terminar el “Friso”. Pintó una serie de cuadros, varios de ellos en formato más grande y en cierta medida con la estética Art Nouveau de la época. Realizó un marco de madera con relieves tallados para el gran cuadro Metabolismo (20), inicialmente llamado Adán y Eva. Este trabajo revela la preocupación de Munch por la “caída del hombre” y su filosofía pesimista del amor. Motivos como La cruz vacía y el Gólgota (ambos c. 1898) reflejan una orientación metafísica y también reflejan la educación pietista de Munch. El Frieze completo se mostró por primera vez en la exposición secesionista en Berlín en 1900.

Los temas de “El friso de la vida” se repiten a lo largo del trabajo de Munch, pero se centró especialmente en ellos a mediados de la década de 1890. En bocetos, pinturas, pasteles y grabados, aprovechó las profundidades de sus sentimientos para examinar sus motivos principales: las etapas de la vida, la femme fatale, la desesperanza del amor, la ansiedad, la infidelidad, los celos, la humillación sexual y la separación en la vida y la vida. muerte. Estos temas se expresan en pinturas como The Sick Child (1885), Love and Pain (retitulado Vampire; 1893-94), Ashes (1894) y The Bridge. Este último muestra figuras flácidas con rostros sin rasgos o ocultos, sobre los que se ciernen las formas amenazantes de árboles pesados ​​y casas inquietantes. Munch retrató a las mujeres como frágiles e inocentes sufridas (ver Pubertad y Amor y Dolor) o como la causa de un gran anhelo, celos y desesperación (ver Separación, Celos y Cenizas).

Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las ansiedades sexuales del artista, aunque también se podría argumentar que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo generalizado sobre la existencia humana. Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madonna, Hands y Puberty, y también se transcribieron como grabados en madera y litografías. Munch odiaba separarse de sus pinturas porque pensaba en su trabajo como un solo cuerpo de expresión.

Entonces, para capitalizar su producción y generar ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas más famosas, incluidas las de esta serie. Munch admitió los objetivos personales de su trabajo, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; es, por lo tanto, en realidad una especie de egoísmo". , pero espero constantemente que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr claridad ".

Si bien atrajo reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890 Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: “Con despiadado desprecio por la forma, la claridad, la elegancia, la integridad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva del talento. visiones sutiles del alma ". Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau, más tarde ministro de Relaciones Exteriores alemán, quien contribuyó en gran medida a su éxito.

París, Berlín y Christiania

En 1896, Munch se mudó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas "Frieze of Life". Desarrolló aún más su técnica de xilografía y litografía. Autorretrato con brazo esquelético de Munch (1895) se realiza con un método de grabado con aguja y tinta también utilizado por Paul Klee. Munch también produjo versiones multicolores de "The Sick Child" que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de Kiss (1892). Muchos de los críticos parisinos todavía consideraban la obra de Munch "violenta y brutal", pero sus exposiciones recibieron una atención seria y una buena asistencia. Su situación financiera mejoró considerablemente y en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Christiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en la pequeña ciudad de Åsgårdstrand en Noruega. Él apodó a esta casa la "Casa Feliz" y regresó aquí casi todos los veranos durante los siguientes 18 años. Era este lugar que extrañaba cuando estaba en el extranjero y en los períodos en que se sentía deprimido y agotado. “Caminar por Åsgårdstrand es como caminar entre mis pinturas: me siento tan inspirado para pintar cuando estoy aquí”.

En 1897, Munch regresó a Christiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes. Un crítico escribió: “Se han exhibido muchas de estas imágenes antes. En mi opinión, estos mejoran en el conocimiento ". En 1899, Munch inició una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer de clase alta "liberada". Viajaron juntos a Italia y, al regresar, Munch inició otro período fértil en su arte, que incluyó paisajes y su pintura final en la serie “El friso de la vida”, La danza de la vida (1899). Larsen estaba ansioso por casarse, y Munch suplicó.

Su bebida y su mala salud reforzaban sus temores, como escribió en tercera persona: “Desde que era niño odiaba el matrimonio. Su hogar enfermo y nervioso le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse ". Munch casi se rindió ante Tulla, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna y se mudó a Berlín. Sus Girls on the Jetty, creadas en dieciocho versiones diferentes, demostraron el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas. En 1902, exhibió sus obras temáticamente en la sala de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". Los críticos de Berlín estaban empezando a apreciar el trabajo de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño y extraño.

1902-1903. Edvard Munch (1863-1944). Noche de verano en la playa. Ver Marina Fistoulari Mahler (1943).

La buena cobertura de prensa hizo que Munch llamara la atención de los influyentes clientes Albert Kollman y Max Linde. Describió el giro de los acontecimientos en su diario: "Después de veinte años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda en Alemania, y una puerta brillante se abre para mí". Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, el comportamiento errático y autodestructivo de Munch lo involucró primero en una pelea violenta con otro artista, luego con un tiroteo accidental en presencia de Tulla Larsen, quien había regresado para una breve reconciliación, que hirió a dos de sus personajes dedos. Finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven de Munch. Munch tomó esto como una traición, y se detuvo en la humillación durante algún tiempo, canalizando algo de la amargura en nuevas pinturas. Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I, realizadas en 1906-1907, hacen referencia clara al incidente del tiroteo y las secuelas emocionales.

En 1903-1904, Munch expuso en París donde los fauvistas venideros, famosos por sus colores atrevidamente falsos, probablemente vieron sus obras y podrían haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los fauvistas realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y mostró sus obras con las de ellos. Después de estudiar la escultura de Rodin, Munch pudo haber experimentado con plastilina como ayuda para el diseño, pero produjo poca escultura. Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su condición financiera generalmente precaria. En 1906 pintó la pantalla de una obra de Ibsen en el pequeño Teatro Kammerspiele del Deutsches Theater de Berlín, en la que se colgó el Friso de la Vida. El director del teatro, Max Reinhardt, lo vendió más tarde; ahora está en la Galería Nacional de Berlín. Después de un período anterior de paisajes, en 1907 volvió a centrar su atención en figuras y situaciones humanas.

1907. Edvard Munch (1863-1944). El niño enfermo.

Avería y recuperación

En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se había agudizado. Como escribió más tarde, "Mi condición estaba al borde de la locura, era un toque y listo". Sujeto a alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó a la clínica del Dr. Daniel Jacobson. La terapia que recibió Munch durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento entonces de moda para las afecciones nerviosas, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva). La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Alegrando aún más su estado de ánimo, el público en general de Christiania finalmente se entusiasmó con su trabajo y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". Su primera exhibición estadounidense fue en 1912 en Nueva York.

1912. Edvard Munch (1863-1944).

Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson le aconsejó a Munch que solo socializara con buenos amigos y evitara beber en público. Munch siguió este consejo y en el proceso produjo varios retratos completos de amigos y mecenas de gran calidad, representaciones honestas sin adulaciones. También creó paisajes y escenas de gente trabajando y jugando, usando un nuevo estilo optimista — pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y uso poco común del negro — con sólo referencias ocasionales a sus temas morbosos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le brindaron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.

El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como dijo: "Todos mis amigos son alemanes, pero es Francia lo que amo". En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos judíos, perdieron sus fortunas y algunos sus vidas durante el auge del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que habían estado imprimiendo su obra gráfica. Dado su historial de salud deficiente, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe española, la pandemia mundial de ese año.

Años posteriores

Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida de la granja, incluidas varias en las que utilizó su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó como sujetos de numerosas pinturas de desnudos. Probablemente tuvo relaciones sexuales con algunos de ellos. Munch ocasionalmente salía de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia.

Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos despiadados, añadiendo a su ciclo de búsqueda de sí mismo de su vida y su serie inquebrantable de tomas de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como "arte degenerado" (junto con la de Picasso, Paul Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos) y sacaron sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los tartamudos del arte pueden regresar a las cuevas de sus antepasados ​​y allí pueden aplicar su primitivo rascado internacional".

Edvard Munch (1863-1944).

En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi asumió el gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi una colección completa de su arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas tomadas previamente por los nazis habían sido devueltas a Noruega a través de la compra por parte de coleccionistas (las otras once nunca fueron recuperadas), incluidos El grito y El niño enfermo, y también estaban ocultas a los nazis.

Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir 80 años. Su funeral orquestado por los nazis sugirió a los noruegos que él era un simpatizante de los nazis, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la propiedad de Ekely a los herederos de Munch en 1946; su casa fue demolida en mayo de 1960. 

Trabajos mayores

  • 1892: Velada sobre Karl Johan.
  • 1893: El Grito.
  • 1894: Cenizas.
  • 1894-1895: Madonna.
  • 1895: pubertad.
  • 1895: Autorretrato con cigarrillo encendido.
  • 1895: Muerte en la enfermería.
  • 1899-1900: La danza de la vida.
  • 1899-1900: La madre muerta.
  • 1903: Pueblo a la luz de la luna.
  • 1940-1942: Autorretrato: Entre el reloj y la cama.

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