Guía de escucha - Movimiento 2: Lied 2: Fausto de Schlussszene aus Goethe

Transcripción

La segunda parte de la octava sinfonía es el movimiento sinfónico más largo de Mahler, la longitud de su texto (la escena final de la segunda parte del Fausto de Goethe) es tan extensa que bien podría considerarse más allá de los límites de la forma sinfónica. Mahler trata su tema de manera no menos sinfónica que con un himno latino de la primera parte, desarrollando material temático y motivador con extraordinaria invención a lo largo de este movimiento de una hora. Combina elementos de diversas formas tradicionales y procedimientos estructurales, incluida la fusión de técnicas de desarrollo de la forma sonata, con arreglos estróficos y temas y variaciones.

En su tema y variaciones Mahler invierte el procedimiento habitual, de modo que, como lo explica Donald Mitchell, el tema que es el generador de las variaciones se escucha completo solo al final de la secuencia de variación. Este proceso de evolución temática, si se quiere, nos lleva a través de un extraordinario número de variaciones por el conteo 29, que lidera el enunciado definitivo del tema principal en el Coro místico En el proceso de este enfoque creativo del desarrollo temático, Mahler unifica las dos partes de manera motivadora y sintetiza los estilos barroco, clásico y romántico en un drama sinfónico de inmensas proporciones, digno de su famoso texto, los procedimientos multivac de Mahler tienen una función tanto dramática como musical. dirigiendo nuestra atención a motivos y temas completos de la primera parte que a veces aluden a palabras clave y frases de su texto oculto.

Los motivos referenciales arrojan luz sobre el texto de Goethe, mientras que los nuevos motivos evolucionaron hacia declaraciones dramáticas que siguen desarrollándose hasta que producen el tema principal de la segunda parte en la sección final. Solo en este sentido, el octavo merece ser considerado la marca de agua más alta del diseño sinfónico. Los motivos de la primera parte no operan simplemente como un recordatorio de una resolución pasada, sino como su cumplimiento. Algunos de estos motivos aparecen en el preludio de apertura, que funciona casi como una obertura de ópera al presentar material musical que se desarrollará a lo largo de la segunda parte.

La segunda parte es lo más cerca que estuvo Mahler de componer una ópera, aparte de su trabajo en la obra de Weber. Die drei Pollitos o, si quieres, Das klagende mintió la oración de apertura puede compararse con una obertura y el uso de arias solistas, dúos, coros y una variedad de efectos teatrales evidencia la influencia del trabajo de Mahler en la ópera. Por otro lado, Hans Redlich se refiere al octavo como un oratorio dramático similar a las listas de Santa Isabel que contienen elementos dramáticos en segmentos caleidoscópicos con muy poco contenido sinfónico. En esta caracterización, Redlich no distingue el modo estilístico de la Parte Dos del aparte uno, Philip Barford, por el contrario sugiere que existen numerosas diferencias estilísticas entre las partes, según Barford, donde la primera parte está en forma de sonata clásica, y formada sobre diseños de contrapunto influenciados por la polifonía barroca, la segunda parte es un movimiento rapsódico suelto, organizado en estilo libre que combina elementos estilísticos de las épocas clásica y romántica, e incluso se remonta al canto gregoriano para el escenario musical del coro de anacoretas. Aunque el texto de Goethe es claramente el punto focal de la sinfonía, Mahler dejó bastante claro que la octava no era una sinfonía de Fausto como tal, Fausto era para Mahler un símbolo para cuestionar a la humanidad.

El espíritu humano no puede aceptar su ley sin buscar justificarse a sí mismo, pero su búsqueda de la justificación a través del descubrimiento de la verdad y el significado puede conducir al fracaso y la desesperación, o a la creatividad y la realización personal. Tanto Mahler como Goethe creían que la búsqueda eventualmente tendrá éxito al culminar en la experiencia metafísica de la sabiduría, el poder y el amor absolutos.

Se han hecho varios intentos para subdividir las intersecciones de la segunda parte junto con los principios tradicionales del diseño sinfónico, como adagio, scherzo y final, pero estoy de acuerdo con la opinión contraria de Donald Mitchell de que los intentos de dividir la segunda parte en casi réplicas de los movimientos sinfónicos tradicionales son a menudo arbitrarias, y rara vez, si es que alguna vez, dan cuenta de manera adecuada de las referencias cruzadas y el intercambio de elementos musicales entre tales movimientos. Forzar una organización tan creativa de materiales en la camisa de fuerza analítica de la forma sinfónica clásica, no hace ningún favor a la invención de la construcción de Mahler y desvía nuestra atención del elemento unificador real aquí, las conexiones motivacionales entre las partes uno y dos y el proceso de desarrollo de variaciones temáticas. .

Unas 29 notables variaciones precedieron al enunciado definitivo del tema principal. Estas variaciones no se presentan como reconfiguraciones temáticas independientes de un tema definitivo enunciado al inicio, sino como una secuencia en desarrollo que se abre camino gradualmente hasta completar el tema. Se pueden encontrar indicios de ello en dos de las sinfonías anteriores de Mahler en la tercera, la progresión evolutiva de los movimientos de la naturaleza inanimada a un ser divino originalmente concebido por Mahler replica conceptualmente lo que la evolución temática hace musicalmente y en la cuarta, cada uno de los tres primeros movimientos contiene algún elemento temático que apunta hacia el tema principal del final de la canción.

La progresión tonal mueve la justicia gradualmente hacia el cumplimiento, tardando una hora en progresar solo desde el Mi bemol menor inicial hasta el Mi bemol mayor final, ya que este último es también la tonalidad principal aparte, una ancha como en el proceso tonal general hacia el eterno retorno. . Un concepto filosófico nietzscheano implícito en varias sinfonías de Mahler, como Das Lied, compara esta planta total con la de la segunda Sinfonía, cuyo final coral se acerca más a la octava y concepción y espíritu, mientras que la segunda también termina en mi bemol, comienza en la trágica tonalidad de Do menor, representando así no la circularidad de un retorno, sino el verdadero progreso de la tragedia a la redención. Esta distinción es adecuada porque el tema de la segunda Sinfonía, la gracia divina lograda a través de la fe simple, no es el de la octava, cuyo principio conceptual básico es la conjunción de la creatividad humana y el amor divino a través de la iluminación de los sentidos.

La fusión del amor divino y humano y el final del tercero ahora tiene el propósito de estimular la creación en el octavo, que es tanto el hombre como el artista que Mahler establece como el principio rector para la realización final y, por lo tanto, una justificación sostenible de la vida. El amor actúa como catalizador de la verdadera creatividad, es decir, a su vez, fuente de expresión de aquello que la genera, como el elemento por excelencia necesario para la creatividad que se perdió en la primera parte. Pero el amor no puede motivar la creatividad simplemente expresándola, también debe ser una integración de su esencia en lo mundano, en conjunción con lo divino, como ocurre simbólicamente en el proceso de variación de la segunda parte.

Como en la primera parte, la música presiona hacia la realización, pero en realidad no se da cuenta de ello. Es la realización que se ha inferido desde el principio, lo que hace que el proceso sea más sustantivo, en la segunda parte el amor, a medida que la inspiración creativa se fusiona consigo misma, a través de un proceso que es progresivo, pero que en realidad conduce a la misma realización, aunque de manera más firme. fundamento de haber pasado por el proceso, mientras se pasa de un sagrado a un segundo o texto, la segunda parte todavía contiene elementos musicales espirituales incluso religiosos de Quasar, como el canto gregoriano utilizado por el cuerpo de anacoretas, y la iglesia como motete de la Coro místico.
Mahler también interpone música con un tema religioso, toma material del movimiento de ángeles de la Tercera Sinfonía, y El himmlische Vida del cuarto. El texto de Goethe también está repleto de ilusiones religiosas que hacen perfectamente apropiada la conjunción de lo humano y lo divino. El equilibrio de las manifestaciones externas e internas de la expresión humana y la primera parte se altera en la segunda, donde la última es más prominente. Los primeros compases recuerdan el Gloria y la aumento de lumen temas de la primera parte, emergiendo de sombras opacas en una atmósfera de misteriosa quietud, en la que la luz de la sabiduría parece haberse desvanecido. El coro de anacoretas crea visiones de la realidad externa a la música de sensibilidades profundamente internas consigue anticipar las pasiones extrovertidas de Pater Éxtasis, y el dogma de Pater Profundus, cuyo clímax musical está en el tema de la agenda, en sí mismo un amor e iluminación en oración. El motivo de la luz impregna la segunda parte, sigue siendo un símbolo de iluminación, similar a aumento de lumen como ascenso a través de la luz. Dado que la luz puede brillar tanto hacia adentro como hacia afuera, también es un símbolo de la internalización de lo externo, que es un aspecto importante del mensaje de la primera parte.

Las dualidades positivo-negativo e interno-externo, tan esenciales para el marco conceptual de la primera parte, parecen haber sido eliminadas en la segunda parte. Como señala Mitchell, hay una cita, ningún papel para Mefistófeles en esa parte del Fausto de Goethe, que Mahler eligió poner, entre comillas, “Mahler pretendía crear una obra que atrajera a las masas. Por lo tanto, es posible que haya evitado intencionalmente expresar la angustia del sufrimiento humano, el ingenio sarcástico de la parodia y el cinismo vinculante de la sátira que se produce en gran parte de su música ". Pero su ausencia en la segunda parte no implica que se haya resuelto por completo la resolución del conflicto entre los aspectos negativos y positivos del espíritu humano en la primera parte. En la segunda parte, estas dualidades forman un trasfondo a través de referencias motívicas. Las fuerzas negativas que atormentaban al alma con la duda de sí mismo, ya estaban lidiadas dentro de la sexta Sinfonía. Así que sus elementos trágicos no necesitan revelarse aquí. La séptima trata tan extensamente de la parodia, que no necesitar tener parte en la octava regla sería ciertamente inapropiado y no bienvenido. Habiendo absorbido tanto la tragedia como la ironía, Mahler necesitaba enfrentarse al arte como principal expresión creativa, que ilumina y manifiesta a través de la conjunción del amor humano y divino.

La conexión entre música y texto, tan evidente en la primera parte, también es evidente en la segunda, donde el material temático y motivador simboliza a los personajes que aparecen en la escena final del drama de Goethe. Incluso los nombres de varios de estos personajes indican su naturaleza representativa. Philip Barford ofrece la siguiente lista de personajes y los principios simbólicos que representan.
- El penitente, que es Gretchen, representa la penitencia.
- El perdón y la redención de las tres María
- Pater Ecstaticus
- Intelecto Pater Profundus
- La idealización y la intuición espiritual del Dr. Mariano.

Con la Octava Sinfonía, Mahler se acerca más que nunca a producir un verdadero drama musical de acuerdo con los principios sinfónicos. En ninguna otra Sinfonía un compositor ha integrado con mayor habilidad la música y el texto a través del mecanismo de desarrollo motívico y temático, que también sirve como mecanismo de representación simbólica. La octava es una de las glorias de la música coral y sinfónica y debería servir como el estándar contra el cual cualquier Sinfonía que combine coro y orquesta debería ser juzgada durante algún tiempo.

La segunda parte comienza con un preludio en mi bemol menor. Se abre en la verdadera moda bruchneriana con un repentino destello rápido y los violines en un trémolo en una octava mi bemol, adornado con una mera brizna de platillos. El trémolo de octava se suaviza inmediatamente hasta convertirse en un silencio y continúa como un trasfondo que establece un aura de misterio en la sección de apertura. La versión revisada de Das Klagende mintió, y la Segunda Sinfonía se abrió de la misma manera. Son las etapas preparadas para la introducción de motivos primarios. Estos motores se expresan lenta y silenciosamente en secuencia superpuesta en instrumentos de viento de madera y cuerdas bajas pizzicato. Una variante de aumento de lumen en pizzicato, cuerdas bajas, una variante de aumento de lumen de la primera parte, se toca con pizzicato de cuerdas bajas y forma la subestructura rítmica y motívica para la aparición de otros motivos. La estructura de esta variante tiene un significado motívico más profundo de lo que puede parecer fácilmente. Comienza con una quinta que cae, luego regresa a la original cayendo en aumento de lumen, seguida de la frase ascendente del motivo del anhelo, lo que implica la necesidad espiritual subyacente de iluminación.

Los principales motivos se abrieron paso repentinamente en los altos vientos de madera que nos sorprendieron con su abrupta intrusión, pero rápidamente se retiran como fantasmas que se alejan en la misteriosa atmósfera. Los vientos de madera siguen repitiendo una versión del grito de patetismo de la primera y segunda sinfonías, originalmente en Das Klagende mintió, que se convierte en un motivo principal, a veces susurrando suavemente ya veces gimiendo en voz alta su grito de desesperación. Los primeros motivos principales, el ritmo punteado asociado con el motivo pectoral aparte, su segundo menor ascendente y descendente, lo relaciona con el motivo de Whoa. Este motivo de tres notas representa la asombrosa maravilla de la naturaleza, en su esencia más elemental. Se toma su forma desde el corazón de la existencia pectoral. Y su sentido de todo desde el modelo de pared. Como el lumen accende un motivo indicado en la base. El motivo de la naturaleza va seguido del motivo del anhelo al que se añade el motivo arqueológico de la redención. Por lo tanto, una progresión conceptual desde Whoa, pasando por el anhelo de redención, ya está establecida al comienzo de la segunda parte, escuchemos.

Estos motivos se tratan luego contrapuntístico II contra el sustain del tremeoloe plano tocado silenciosa y continuamente por violines silenciados. Los modos parecen llamar desde las oscuras profundidades internas de la conciencia para la regeneración de la luz. Como los motivos escuchados al principio de la parte para comenzar a integrarse, el tema principal comienza a tomar forma en el embrión después de que se agrega un tono sostenido frente al motivo de la naturaleza, los fagotes y las cuerdas bajas inmediatamente lo hacen más melódico, rompiendo esta nota. en un ritmo punteado, los clarinetes extienden la frase más allá de la secuencia del anhelo de la naturaleza, agregando el motivo de la redención al final. Esta combinación motívica se acompaña de variantes rítmicas de lumen accende en cuerdas de pizzicato. Sigue un breve pero dichoso coral sobre el anhelo, durante el cual el trémolo de octava suster nu tau mi bemol permanece en silencio. El coral termina en una cadencia de playgirl que se resuelve en un acorde de A menor, y le devuelve el trémolo de violín a Archer en una repetición o extensión de la sección introductoria anterior.

Después de un mayor desarrollo de los motores temáticos, la tonalidad vuelve a Mi bemol menor, formando una secuencia de mayor a menor que insinúa el motivo cordal del destino, tan prominente en las sinfonías de Mahler. Las armonías abiertas continuaron cambiando de mayor a menor y viceversa, la atmósfera de los vapers genera un aura sobrenatural. De repente, a mitad de camino, un golpe contundente en la base nos saca de la fascinante quietud que impregna la introducción. Una variante del motivo de la naturaleza marca el comienzo de la primera de una extensa serie de variaciones que evolucionan hacia el tema principal. La primera variación comienza en un estado ligeramente agitado con gran pasión. Los cuernos y violonchelos tocan la variante del tema inicial, una secuencia de un tono completo, la naturaleza y los motivos del registro, contra una versión más rápida de lumen accende en pizzicato, cuerdas más bajas, una figura de giro seguida de un salto de una quinta que se resuelve hacia abajo en una frase cromática descendente combinada para presagiar la aparición más adelante en la segunda parte y la versión invertida del anhelo sigue el motivo de la naturaleza, pareciendo arrastrarlo hacia abajo a lo largo de la mitad de esta variación con acentos contundentes.
El trémolo de violín sostenido de la apertura regresa solo por unos pocos compases, comenzando fuerte y rápidamente disminuyendo, solo cuando reaparece con un poderoso empuje un paso más bajo que antes, para que las pasiones generadas en esta variación se disipen. La música del preludio ahora regresa, pero los motores enlazados y la versión pizzicato de lumen accende que los acompaña se afirman con más fuerza, como si estuvieran profundamente afectados por la apasionada primera variación, por la adición de una sola negra, el modo típicamente constituido. El tema Varian cambia el motivo de la redención a una figura más que negra. A medida que este interludio entre variaciones se cierra con una versión diminuta del modo naturaleza, la música se calma una vez más, con un fuerte ritmo optimista en un ritmo punteado que recuerda el optimismo del glorioso episodio de Mi mayor en el movimiento lento de la Cuarta Sinfonía.

Las pasiones se avivan de nuevo con el advenimiento de la segunda variación en un templo mucho más enérgico. Los primeros violines tocan una combinación de trillizos y 16a que ofrece un toque de la intensa figuración del violín que acompañará a Pater Profundus es una descripción apasionada del amor de la llama con la emoción. Debajo del arte y las efusiones de los violines y los instrumentos de viento de madera, la variante del tema embrionario se puede escuchar primero en oboes y trompas, y luego se integra con la figuración intensa que lo inflama de orden, apariciones ocasionales de un segundo cayendo, el motivo de whoa implica que el amor a menudo está teñido de sufrimiento. La intensidad y la pasión de la música continúan sin disminuir hasta el final de la variación. Los elementos motivicos de la primera variación se rompen en la segunda al interrelacionarse con la figuración apasionada. Pronto se vuelven uno con él, como si estuvieran en el poderoso agarre de las emociones que agita los elementos negativos como el segundo que cae de whoa y las cromáticas descendentes ven para dibujar esta variación en su red siniestra, su perversidad parece estar fuera de contacto con la naturaleza sublime. de redención. La cifra de giro extrapolada de la primera variación reaparece justo antes del trágico cierre de la segunda variación.

Al final del descenso cromático que cierra la segunda variación, comienza la tercera variación, el violín golpea con una fuerza escalofriante, y efecto producido no solo por el repentino empuje de enorme poder, sino también por los primeros violines que tocan el tema en la cuerda G , doblado por violonchelos en su registro alto. El efecto se hace más conmovedor por el pizzicato lumen que asiste a una figura que abrió la segunda parte, aquí interpretada por el resto de las cuerdas graves. Esta variación reacciona a la anterior al incluir elementos cromáticos de ella en el motivo del anhelo, de modo que sube y baja por la mitad en lugar de pasos enteros. Como resultado, el salto intervocálico que sigue a sus tres nodos ascendentes cambia a un quinto menor, el diabolos in musicus, que se usó en la primera parte para indicar la debilidad humana, presa de malas influencias que los buscadores evitan la fuerza vital. En esta variación temática, se conserva la nota completa que se agregó a la variante temática al comienzo de la primera variación.
A medida que la música avanza, los intervalos de motivos de pertenencia se alargan, creando disonancias que simbolizan la intervención del espíritu demoníaco. En unos compases el trémolo de violines en Mi octava bemol, regresa su trémulo obturador, volviendo a enfriar el ambiente. Funciona durante todo el preludio como una especie de ritornello. Aquí está el comienzo de la tercera variación.

Ahora, la tercera variación pasa a su siguiente fase, y continúa desarrollándose mediante la alteración temática de inversión, una extensión del optimismo ascendente de tres notas del anhelo. El movimiento descendente de este fragmento motívico produce una frase compensatoria que asciende a la figura pectoral que inició este tema enterrado. En un clímax profundamente conmovedor, los cuernos agregan el motivo retorcido de cuatro notas de sus objetivos batidos de la cuarta canción de Kindertotenlieder, y la variación continúa con un giro fuertemente acentuado que provoca un sentimiento de esperanza. Después de que se repite la variante del tema, como al principio de esta variación, aparece un indicio del motivo de redención en una escala descendente. Su extensión cae con fuerza hasta que aterriza en la primera nota de la siguiente variación, más o utiliza este tipo particular de técnica telescópica de forma extensiva en la segunda parte. Aquí está el resto de la tercera variación.

La cuarta variante comienza muy suavemente en las flautas, tiene una ligera cualidad scherzando que anticipa la música del coro de niños que aparece más adelante. Con esta música alegre, el estado de ánimo se aclara y se vuelve bastante divertido. La figura de la naturaleza comienza esta variación y el anhelo es reemplazado por un tercio ascendente y una versión juguetona del motivo de der Tag ist schön. Después de que otros instrumentos de viento agregan su propia versión de su variación, cambiando las notas dobles de intervalos ascendentes a descendentes, las trompetas recuperan el lado más oscuro de la variante del tema que toma forma durante la tercera variación. Termina con un morden de cinco notas utilizado como parte de una cadencia. La breve cuarta variación concluye con una fuerte declaración del motivo de la naturaleza en secuencia repetida en vientos bajos contra la violencia sostenida un trémolo plano y el pizzicato en aumento de lumen Una figura en cuerdas de bajo. A medida que la música se desvanece, la introducción concluye y el escenario está listo para el coro de anacoretas. Funciona como la quinta variación en un tempo lento y con el acompañamiento del pizzicato. aumento de lumen Una figura de cuerdas bajas. La variante del tema regresa en flauta y clarinete ya no teñida de cromatismo, ya que desde una altura lejana las voces masculinas de ambos coros entran en forma de estiramiento, susurrando ecos de una extensión del motor de la naturaleza con pareados de medio nodo precediéndolo.

Mahler instruye a las voces masculinas a cantar con un habla aguda y rítmica, similar al canto gregoriano. La combinación de articulación entrecortada en las voces y legato fluido en los instrumentos de viento crea una atmósfera espectral inquietante. Al principio, la variante del tema parece estar fuera de lugar rítmicamente, debido a los frecuentes barcos medidores. Siguiendo la combinación de la copla de notas medias, y el modo de la naturaleza de la frase de pertenencia de lumen accende se canta en Stretto. Con el apoyo de pizzicatos de cuerda inferior, un estallido de luz destella brevemente en los vientos de madera altos iluminando la escena en sombras. Las rupturas inesperadas en la línea vocal fragmentada crean momentos de tensión que nunca se disipan por completo cuando las voces vuelven a entrar. La caída de segundos menores en los vientos le da a la música un carácter trágico. En medio de una versión coral de aumento de lumen, el coro se detiene de repente y una calma desciende sobre la música. La variante del tema regresa en instrumentos bajos que lo adquirió como coral para las victorias en el anhelo que conduce a una cadencia de gol de juego completo, ya que durante la vista previa de apertura, aquí está el comienzo de la quinta variación. Una vez más, el tenue sonido de un símbolo suave marca el comienzo del regreso del trémolo de violín de octava plana que había estado en silencio durante unos compases. Sirve como fondo para una extensión del coro del paseo del ancla en un contrapunto de dos partes sobre elementos de la variante del tema, acompañado por la figura lumen accende de pizzicato. Justo cuando esta combinación de elementos motivadores y temáticos comienza a desarrollarse en una versión invertida del anhelo y los tenores, una ruptura corta el progreso. Aquí, como Mahler a veces quiere hacer, anticipa la meta hacia la que parte inexorablemente procede dándonos un indicio de los compases iniciales del estribillo misterioso cuando el motivo ostinato lumen accende regresa silenciosamente en pizzicato de cuerda, los instrumentos de viento de madera lanzan un leve suspiro en un acorde. que cambia de menor a mayor, lo contrario del motivo armónico del destino trágico. Así comienza una secuencia de acordes que se modulan en Mi bemol mayor, mientras un solo cuerno toca el motivo de anhelo que conduce a la sexta variación, aquí está la conclusión de la quinta variación a partir de la insinuación del error del estribillo en el tema del estribillo uno.

Con la sexta variación, la silenciosa atmósfera nocturna desaparece por completo, y lo que se proyectaba en las sombras ahora emerge a la luz. El solo de barítono en el papel de Pater Profundus, es la única voz que se escucha en la sexta variación. Esta variación se puede dividir en cuatro subvariantes a la apasionada efusión de tormento interior del cantante. La variante del tema principal se transforma rítmicamente utilizando una figura de triplete sincopado. Para las notas ascendentes del motivo de nostalgia. Solo las cuerdas acompañan al solista al principio apoyándolo tanto temática como armónicamente, después de que completa la primera parte del tema, las cuerdas agregan una sola medida de cromáticas descendentes desde el veteado para tener la primera parte, siguiendo una repetición de la variante del tema por parte del barítono solista. , con intervalos crecientes más amplios en el opuesto del anhelo. los instrumentos de viento añaden una medida de todo el motivo de énfasis. La línea vocal cantada con las palabras Pfeile, durchdringet mich, comienza con una quinta descendente que revela una venosa a la que se invierte el motivo de la naturaleza. Esta subvariante concluye con el motivo de la naturaleza después de una versión invertida del anhelo, mientras que los violines agregan la figura de giro de cinco nodos introducida durante la primera variación. En el compás siguiente, el barítono continúa insertando la figura de giro imitada dos veces más rápido y los violines que reemplazan el ritmo ascendente de tres notas del anhelo.
La variante del tema se amplía con una canción de frase alargada a las palabras ¡Ewiger Liebe Kern! corazón eterno de amor, acompañado de escamas arqueadas en movimiento contrario. El tempo aumenta en una serie de escalas modales descendentes y cuerdas y presiona hacia adelante a un Allegro. Aquí el clímax de la variación ocurre cuando las trompetas afirman abiertamente la luminosidad. Agregar la figura más que similar asociada con el tema en desarrollo varió a medida que la música se acerca a una cadencia, el solista de bajo como Pater Profundus entra desde una región profunda. Tomo a mitad del metajuego, como dice Mahler con voz poderosa, con su entrada comienza la séptima variación. La tonalidad vuelve a Mi bemol menor y el tempo se afloja repentinamente. Pero sin alejarse demasiado del ritmo enérgico establecido para Pater Esstasicus llamas de pasión descritas por Pater ProfunduLos s se comparan con un fenómeno natural, torrentes flotantes de 1000 arroyos, bosques y rocas que surgen como olas, aguas que se precipitan en el abismo y un relámpago que aclara la atmósfera brumosa. Todas estas imágenes visuales están configuradas con música que surge y retrocede con el uso de la emoción. Aunque esta variación comienza con optimismo, como la segunda variación, varía significativamente de la anterior. La cromática acentuada corre a intervalos amplios como saltos, y las escalas descendentes caracterizan la descripción textual del amor a las llamas con pasión. Durante esta extensa variación de super octava optimista en un ritmo punteado, recuerda la segunda variación, y un cuerno en tonos el motivo del anhelo, reflejando los sentimientos expresados ​​por el cantante. El motivo de la naturaleza aparece al final de profundas, su expresión vocal inicial sobre la palabra fliesen flow. Las cuerdas bajas se elevan con una ráfaga de semicorcheas ascendentes que formaron un importante elemento multivac de la sexta sinfonía. La séptima variación tiene un tirón hacia abajo, particularmente en los segundos menores que caen del motivo de la pared y la inversión del anhelo que contrarresta los empujes ascendentes del 16 en la base, y los frecuentes saltos ascendentes de octava y super octava en la línea vocal. A medida que la variación comienza a ascender, un cuerno solo toca los dos primeros compases de la variable del tema inicial, seguido del trombón solo en Lumina chenda. Eso también se hace eco de una figura similar a Morden en la línea vocal. El anhelo luego se convierte en una frase en forma de arco que conduce a una línea descendente en la voz que repite la trompeta. El optimismo en un salto de octava en ritmo punteado de la segunda variación regresa en violines en imitación canónica con la voz profunda solista describe el salvaje rugido de las regiones inferiores que lo rodea en una frase que comienza en un salto ascendente de una octava en ritmo punteado, y luego descendiendo a modo de venas para recordar la versión para violín de Oh schmelz. A Aldo string, o pain, lo penetrará uno, desde el final de la segunda, las frases simples que resuenan se superponen y la secuencia apretada. Las escalas descendentes de venas aparecen en la siguiente subvariación en un diálogo entre solista y violines contra la figura ascendente de la sexta Sinfonía, aquí tocada por cuerdas bajas en tripletes en lugar de 16. Durante esta larga variación, predomina el motivo del anhelo y la vena descendente al fragmento, su rítmico On Tour se remodela constantemente a medida que el ritmo de la tensión aumenta hacia un clímax, el solista de bajo sigue el motivo del anhelo con una versión alargada fuertemente acentuada del mismo. . Agrega la figura más que similar escuchada anteriormente, cantada a las palabras simplemente Leber's Bolton. Seaver Condon son los mensajeros de nuestro amor que nos dicen que esto se repite en el bronce en una majestuosa declaración del poder de la ley. Aquí está la primera parte de la séptima variación. Durante un breve interludio orquestal, la séptima variación se resume en una superposición de contrapunto. Sus elementos se presentaron con mucha fuerza y ​​urgencia. Pronto el tempo vuelve a presionar hacia adelante para el reingreso de la base, los tempos amplios y enérgicos se alternan, reflejando las luchas y los tormentos expresados ​​en el texto, y culminan en una ferviente oración por el alivio del sufrimiento provocado por la intensa pasión. A medida que el solista alcanza la altura de su rango, suplicando en agonía ser liberado de la esclavitud de sus emociones, el acompañamiento instrumental se vuelve más contrapuntístico en ritmos y motivos divergentes que reflejan la confusión atormentada de las interpretaciones de los compañeros. Pater Profundus clama en la más profunda angustia su súplica de liberación de las torturas de la pasión que inflaman su alma. su súplica comienza con una octava de pulso optimista, escuchada al principio y a lo largo de la variación, y concluye con una variante de aumento de lumen anticipado en los metales y luego contorsionado en las actuaciones en la última línea, la mía hace 50 hercios, así que estoy en el dolor más profundo. Termina con el motivo de la pared, como para enfatizar el aspecto trágico de Pater Profundus profunda desesperación. Esta línea final recuerda el final del primer movimiento de la segunda Sinfonía. Aquí suena profundamente torturado, en lugar de seguro y dichoso. Solo, sus últimas palabras se introducen en la variante principal del tema tocado en trompas y violonchelos como un puente hacia la transición orquestal que sigue. Esta transición consiste en una interacción de elementos motivadores de la variante del tema, centrándose principalmente en la naturaleza y el anhelo.

Durante el paso del puente orquestal, el ritmo aumenta gradualmente a medida que los motivos del tema varían y se construyen en un crescendo que marca el comienzo de la siguiente variación. Con la octava variación, primero escuchamos del coro de ángeles en un alegre Allegro para ver tan tempo, que aligeran el estado de ánimo con una versión alegre de la variante del tema que reordena sus diversos elementos en celebración de una victoria del Espíritu. En una tonalidad brillante de si mayor, los ángeles comienzan esta variación en el cuarto descendente del uno venoso, seguido por el motor anhelante, como apareció en lumen accende dos, y terminan con la frase similar a Morden introducida anteriormente. Las cuerdas bajas tocan el mismo tema en Stretto. Comenzando un compás después de que entre el coro. Cuando termina esta nueva versión de la variante del tema, los clarinetes y la trompeta tocan una versión del motor pectoral de la primera parte, extendiendo su primer intervalo hasta una sexta ascendente. Los instrumentos de viento de madera siguen con una frase descendente de lumen accende two que sucedió a esta figura en la primera parte, cuando en función de un contratema, las cuerdas altas agregan una variante ascendente de cualquiera que devuelva a los ángeles en otra reelaboración de lumen Archon de to la interacción contrapuntística del material Matic recuerda la primera parte. Un coro de muchachos benditos entra al final de la segunda estrofa de los ángeles, con otra versión más del tema Varian invitando a todos a dar vueltas y cantar y adorar alegremente al Espíritu Santo. Los trinos sostenidos mejoran el estado de ánimo lúdico, ya que los dos coros presentan su propia versión de la variante del tema en CounterPoint. Toda esta variación anticipa el llamado movimiento scherzo de la segunda parte, que se dice que comienza en su conclusión. Escuchemos el interludio orquestal de la octava variación. Y la primera parte de ese tempo de variación pronto aumenta a medida que los coros concluyen su ofrenda de celebración a una serie de escalas descendentes en instrumentos de viento de madera y pizza kados en segundos violines y violas primeros violines tocan el motivo de la naturaleza, o los metales en tono de fanfarria, el motivo. del héroe en la forma en que apareció justo antes del gran coral.

En el final de La Quinta Sinfonía. Una secuencia de trinos ascendentes realza la atmósfera alegre. La variante del tema que sigue está ligeramente alterada de la variación anterior, cantada por el Coro de Niños, y tocada con fuerza en las profundidades de la orquesta primero, y luego con fuertes vientos y cuerdas, preparando el camino para la llamada sección scherzo.
El coral de la primera parte, basado en una secuencia de cuatro medias notas, marca el comienzo de una nueva sección a medida que la tonalidad cambia a sol mayor.

Aquí está el interludio orquestal que forma un pasaje puente hacia la novena variación. El breve interludio orquestal que acabamos de escuchar se basa en la figuración flotante que apareció por primera vez después de que se introdujera el corral en la primera parte, un coro de ángeles más jóvenes entra con la novena variación en la clave principal de mi bemol mayor, marcado como Songdo asustado. Aquí Mahler yuxtapone un acompañamiento rítmico revoloteante con una versión lírica de larga línea de elementos de la variante del tema tocado en una nueva secuencia. Con qué dulzura se mezclan las voces en tercios en este tratamiento diatónico de la variante del tema contra un fondo orquestal más vivo.

De nuevo, vuelve el coral de la primera parte, esta vez como parte de la línea vocal, tras lo cual el coro femenino canta en una versión invertida de nostalgia a la forma original de ese motivo en violonchelos y fagot. De repente, la tonalidad cambia a la menor para la décima variación, los ángeles más jóvenes hacen referencia al mal que finalmente ha sido derrotado. En la primera parte de esta variación, un giro hacia abajo y una quinta caída en la línea vocal recuerdan a cualquiera. Sin embargo, estos indicios de cualquiera parecen interponer un elemento negativo al desviar la tonalidad al modo menor, aunque conservan el ligero acompañamiento de la variación anterior. Los altos repiten la frase gofrada que cantaron con las sopranos al comienzo de la novena variación, tratando de aligerar el ambiente. Los sopranos siguen golpeando con la línea vocal anterior, pero con la canción de acompañamiento leggero en movimiento contrario con flautas y violines. La orquesta luego introduce la siguiente variación con el motivo donum de los enfermos, un tema de la primera parte. Mi bemol mayor regresa para la undécima variación, otra reconstrucción más de la variante del tema cantada por los ángeles más jóvenes con las palabras, flauta en Geister spürten die Schmerzen der Liebe, los espíritus sintieron las punzadas del amor.

El acompañamiento continuo de leggero implica que tales emociones han sido conquistadas, el movimiento paso a paso crea la impresión de un coral navideño infantil, la enfermedad de la figura que la introdujo ahora está integrada en el motivo de la torta AV también se agrega una canción a las palabras var. Pino Vaughn Spitzer, lo que lleva a una nueva versión del motivo de la naturaleza que ahora aumenta en un cuarto después del ritmo punteado, y luego desde allí aún más en un tercio. Con la alegría de la convocatoria, sé jubiloso, el motivo de la naturaleza suena más edificante que cuando estás envuelto en el misterio al comienzo de la segunda parte. Después de una cadencia completa y un interludio orquestal sigue en el templo rápido, incorporando elementos del venoso, el lumen acentúa, y es necesario en conjunto con la figuración escalar descendente. Cuando el ritmo disminuye, la música se suaviza con fuertes acordes sostenidos que apoyan el acompañamiento ligero, moviendo la música muy suavemente hacia la siguiente variación.

Observe cómo las repetidas medias notas que caen y la versión invertida del corral de la primera parte ayudaron a calmar la música durante este pasaje de transición.

Así como la música parece alcanzar un equilibrio de vuelo de sonido emerge de la orquesta en un ritmo oscilante basado en el ligero acompañamiento de la variación anterior, recordando la transición para confirmar a los dos durante la sección de desarrollo de la primera parte, después de una muy breve Preludio en re menor, mi bemol mayor retornos para la 12ª variación. los trombones afirman el motivo ligero con autoridad a la calma contrastante del ritmo oscilante. Cuando el compás cambia a tiempo común, el coro de ángeles más perfectos entra suavemente en el informante uno, mientras que un solo Viola rapsodiza en un aire venoso mientras el coro dos toma la siguiente línea de la estrofa, el violín solo toca la misma figuración serpenteante que infermo acompañado.

En la primera parte, uno venoso brilla en cuernos en medio de este segmento coral, simbolizando la iluminación del alma, descendiendo escalas de venoso para seguir en una secuencia similar a un estiramiento, un cambio tonal a la menor ocurre cuando estos ángeles recuerdan los dolores de la vida terrenal y las entradas de coral débiles crean una sensación de inestabilidad. Gran parte de esta variación se basa en el material del termómetro a los buzos, que formó la sección final de la exposición en la primera parte. Estas alusiones a la Parte Uno sugieren que si la debilidad humana resulta de la existencia corporal, entonces la fuerza personal debe necesitar abstraer la emoción humana haciéndola desinteresada y sujeta, purificando así el aspecto físico del Espíritu. A la musica de virtute firmans el espíritu de fuerza eterna, y el alto solista del coro 2 responde declarando la imposibilidad de dividir los espíritus humanos la naturaleza dual del coro femenino responde al desafío afirmando que solo ewige Liebe, el amor eterno, puede curar la herida de un espíritu dividido mientras cantan el tema enfermo.

Los violines acompañan su receptividad con el lirismo de veiny two, que ahora incluye el der Tag ist schön motivo, un indicio de que la luz del día, un símbolo de la iluminación de los sentidos, traerá consigo la redención a través de la ley. Durante la conclusión de esta variación, el tempo se amplía a medida que los coros cantan una versión invertida del motivo ligero a las palabras finales, el A de galega nur fer marks zu scheidel, solo el Amor eterno podría separarlos. Esta variación concluye con una cadencia completa que termina en la misma nota con la que comienza la siguiente variación. Otro ejemplo de técnica telescópica de molares. Aquí está la 12ª variación.

Con la variación número 13, la música scherzando regresa y el tempo aumenta gradualmente a medida que reaparecen los ángeles más jóvenes, para cantar una nueva versión de la variante del tema. Este scherzando ligero y alegre como variante del tema se desarrolla en voces femeninas dobladas por fuertes vientos.
Los modos mayor y menor se contraponen cuando los cantantes sienten la presencia del espíritu redentor, vislumbran a los muchachos bendecidos, mientras giran en círculos con la alegre anticipación de la iluminación de los espíritus, esta variación es básicamente la misma que la cuarta variación puramente orquestal. , comenzando con la segunda versión menor del motivo de la naturaleza, seguida de dos medias notas del coral de la primera parte, con el motivo der Tag ist schön y concluyendo con un ritmo punteado relativo a la naturaleza, que cae en una quinta parte. Su combinación de frases infantiles con una versión distorsionada de la naturaleza en la palabra, pétalo hijo ella parece contradictorio. Cuando esta nueva versión de la variante del tema se canta por tercera vez, con modificaciones menores, se agrega el coral, después de lo cual la variante del tema se extiende en movimiento escalonado, a medida que la tonalidad se modula en sol mayor, los trinos de viento y glockenspiel mantienen el tono alegre. personaje de esta variación, a pesar de los extraños cambios modales, el Dr. Marianus entra en la nueva tonalidad mientras canta suavemente desde la celda más pura y más alta con un coro femenino más audaz en una subvariante de scherzando al tema principal. Esta subvariante incorpora la figura del donum de la primera parte que se relaciona con el motivo espiritual y regresa como parte del motivo natural, se canta con la palabra aliterada. este, hecho más prominente y colorido por el glockenspiel. Los elementos contrastantes del motivo de la naturaleza caen y suben en secuencia con el acompañamiento de una figuración fugaz del violín.

La música se vuelve aún más enérgica y exaltada, ya que la tecla cambia a Si mayor para la decimocuarta variación. En este punto, vuelve el tempo scherzando. La variación es introducida por el revisado Pongo motivo escuchado anteriormente, que también se escuchará durante Mater Gloriosaapariencia que sigue a esta variación.
El Dr. Marianu y los niños bendecidos cantan variantes temáticas de la versión scherzando del tema principal. Marianus proporciona una versión en mayúscula, mientras que el coro de niños amplía la variación temática que se escuchó por última vez en las trompetas que conducen a este segmento de scherzando. Después de tomar una posición subordinada a las declaraciones contundentes de los niños bendecidos, el Dr. Marianus se vuelve gradualmente más asertivo, como un acorde anterior cuando los trinos resuenan con pura alegría. Durante esta breve variación, la frase descendente veiny 2 y el coral de la parte 1 se insertan en la variante del tema en desarrollo. Además, la versión del motivo de redención que ya se había convertido en parte de la variante del tema se altera al tener el tercero de sus cuatro nodos cuatro por un tercero en lugar de un segundo, una versión invertida de los círculos corales alrededor de la figura de Morden. en el coro de niños. Varios elementos motrices y temáticos pueden unirse a esta música de buenas nuevas y marcar el comienzo de una nueva sección, a la que algunos se refieren engañosamente como el final de la segunda parte. Aquí está la decimocuarta variación.

En un plano exaltado, el Dr. Marianus comienza la decimoquinta variación en un estado de profundo éxtasis mientras canta su tributo de alabanza a los misterios más elevados del mundo, refiriéndose a los personajes centrales de la parte 15: Mater Gloriosa, en la tonalidad celestial de Mahler en mi mayor, ensalza su esplendor como dos elementos reconfigurados de la variante del tema, principalmente, la figura de Morden que se usa con poca frecuencia y que se repite primero en la trompa solista, a la que se agrega un toque de la Motivo de cometa AV en frases escalares ascendentes.
Marianus es el principal proveedor de esta variación, confirmado por el papel sensible de las cuerdas y los vientos, durante esta variación las frases melódicas conducen a la realización, pero cuando se logra, la música se vuelve autosostenida y carece de movimiento y aspiración hacia adelante. Se podría concluir de la ausencia de otros puntos de llegada que Mahler pretendía replicar musicalmente, un concepto filosófico extraído del texto que presiona hacia la realización ya contiene su propia realización. Mah usa efectos de eco para enfatizar ciertos elementos del motivo. Contrasta los motivos yuxtaponiendo una versión alargada con la original, o simultáneamente o en respuesta, expresándolos en movimiento contrario. Por ejemplo, mientras Marianus canta la segunda línea de su extenso solo a la ascendente AB Kate motivo, flautas y violines tocan su inversión descendente. Tanto anhelo como una gran cometa se invierten con frecuencia durante el curso de esta variación y, por lo tanto, se ven forzados a asumir un papel sumiso. La forma original del motivo anhelante aparece brevemente en oboes y violas antes de la segunda estrofa. A partir de aquí, el tempo avanza ligeramente cuando Marianus comienza su siguiente estrofa con la misma línea melódica con la que comenzó su variación. A medida que los violines se elevan en la figura de Morden, los violonchelos afirmaron fuertemente aumento de lumen Manteniendo siempre presente el concepto de iluminación como medio de redención, los violines reelaboran la figura de Morden para crear una línea melódica que une los motivos de redención y der Tag ist schön retomados al mismo tiempo por Marianus, los grupos de frases de cuatro notas basadas en estos elementos motivadores se manipulan y reconfiguran continuamente durante esta variación.

Después de que Mariano concluye su glorificación de las virtudes del eterno femenino en un salto hacia arriba a una B alta natural, se resuelve hacia abajo en un paso. La orquesta comenta algunos de los elementos melódicos de esta variación, cuando la tonalidad cambia gradualmente a la tecla de inicio Mi bemol, la música se suaviza. Se intuye que el fervor de la pasión se expresa por Pater Ecstaticus y la Pater Profundus pacificados, Mahler presenta las ltimas lneas de Doctor Marianus canto de alabanza como un interludio pacífico que conduce suavemente a la siguiente variación. Un solo cuerno alude a la agenda del lumen, mientras que las flautas insinúan la redención. delicadamente el cantante en tonos y versión alargada de la figura de Morden, terminando con un segundo cayendo mientras las flautas ascienden a las alturas, suenan los violonchelos aumento de lumen una vez más. Marianu canta suavemente las últimas palabras de este verso, Wenn du uns befriedest a una versión invertida del anhelo que salta hacia arriba en séptimos oboes y clarinetes concluye este pasaje del puente con una nueva versión de aumento de lumen que conserva la cuarta descendente con la que comenzó la versión original, pero obliga a las notas que siguen hacia abajo oponiéndose a su ascenso habitual en un tempo muy lento, la variación 16 comienza devocionalmente cuando Marianus llama al espíritu femenino puro, joven de un lado a otro con la música de la ternura. anhelo.

Mahler invierte la caída de uno venoso y aumento de lumen, de modo que ahora sube y agrega una frase ascendente de veinosa a alguna muy amplia y acompañada de un violín solo que estira la cuarta ascendente a una sexta, seguida de la frase Morden que Marianu pide con nostalgia por una madre moutere a la misma cuarta ascendente, algunas a joven de un lado a otro antes, esta vez es seguido por el coro en una versión ampliada de la figura de Morton. Las notas sostenidas flotan en el aire, resplandeciendo con las antiguas frases largas y arqueadas de tremeloes combinadas con versiones aumentadas y diminutas de la figura de Morden, mientras que la variante invertida del anhelo es cantada por Dr. Mariano's contra su versión original tocada por el solo cuerno. Durante el cierre de esta variación, los violines ascienden suavemente a las regiones celestes en tonos sostenidos que se mueven hacia un clímax, pero no ocurre. En cambio, la música se detiene antes del cierre, y el tempo de repente se vuelve más enérgico, a medida que los cuernos, un cierto lumen acentúan y se agrega como una etiqueta que termina la variante estirada de la figura pectoral de la primera parte. Observe cómo lumen accende comienza a sonar como la marcha del cantante maestro desde el final de la séptima sinfonía a este ritmo más rápido.

En el pasaje del puente a la siguiente variación que sigue, los instrumentos de viento de madera tocan una versión estirada del motivo de redención, sonando como tonos de campana, seguidos por el Lomi motivo y cuernos y luego violines. El ritmo aumenta con la urgencia. Un solo de trompeta toca el motivo del anhelo, seguido por la figura de Morden y terminando en el anhelo, con un torpe salto de fe, que genera una hermosa armonía de acordes con fuertes vientos y cuerdas, acompañada de arpegios arqueados, y pianos y dos arpas parecen tocar. suficiente para las puertas celestiales mientras el templo se afloja, una sola trompeta desciende lentamente en un largo tramo de arpegios, telescópicamente hacia la siguiente variación.

No es sorprendente que Mahler module a su tono celestial de mi mayor para la variación 17 que sigue, ya que es una de las más hermosas de todas las variaciones y la más cercana al coro Mysticus que vendrá pronto. En un tempo extremadamente lento, los violines flotan suavemente sobre ondas de arpegios de arpa que anticipan la sección final de El adios desde Das Lied von der Erde. La melodía tierna y larga de los violines consiste principalmente en permutaciones rítmicas del motivo de la redención. Esta melodía también recuerda la frase melódica a la que la soprano cantó las palabras más allá agradable para poner en canciones que cree que no ha vivido en vano en el final de la segunda Sinfonía, y espera con ansias la AV, concluye. Das Lied von der Erde. La tierna y larga melodía de los violines consiste principalmente en permutaciones rítmicas del motivo de la redención. Esta melodía también recuerda la frase melódica a la que la soprano cantó la letra pasada agradable para poner en canciones que cree que no ha vivido en vano en el final de la Segunda Sinfonía, y espera con ansias la AV, concluye. Das Lied von der Erde.

Justo antes de que entre el coro dos, la música se suspende en un sol sostenido y violines que parece ser la nota más alta de otra declaración de redención más satisfactoria, pero no desciende a una cadencia. Es como si estuviéramos suspendidos momentáneamente entre el anhelo de redención y su realización. Un cuerno lleva esta declaración de redención no resuelta a otro lugar, ya que continúa desde el sol sostenido suspendido con la figura de Morden, tenores y bajos del coro from para agregar una mano de escritorio horizontal en un canto suave como monótono mientras que la variante del tema comienza en el arco. Motivo de redención en vientos altos sobre la figura de Morden en el solo de trompa, ondas de arpegios suaves y acordes sostenidos en armonio y vientos acariciaban suavemente esta variación celestial Celestia y piano añaden apoyo armónico y embellecen la atmósfera con tonos chispeantes. Pronto la música comienza a subir lentamente a las alturas sobre el motivo del anhelo. Cuando los violines sostienen un crescendo en la nota superior de anhelo, anhelo de realización, fuertes ráfagas de acordes de séptima rotos ascendentes y arpas y piano barren el acorde suspendido hacia arriba, mientras continúa construyéndose hasta un clímax largamente esperado.

Pero, de nuevo, no se produce el clímax. En cambio, la música se suaviza repentinamente, y sin alcanzar una cadencia completa procede a la variación 18 en movimiento lento flotante sobre trémulos relucientes en Celestia, y piano y ondas de arpegios de arpa, el coro completo continúa suavemente con sus preguntas suplicantes, buscando superar la debilidad humana y encontrar la salvación con el acompañamiento del motivo de la redención. A medida que las fuerzas corales extienden aún más el intervalo ascendente de redención, anticipan el coro Mysticus en la altura de un crescendo en un acorde de séptima suspendido en si mayor. En preparación para el cambio a esa tecla que pronto llegará, el tempo presiona hacia adelante, los cuernos resuenan acentuando el lumen mientras el coro canta el mismo motivo dos veces más lentamente, cuya nota final se extiende hacia la segunda parte de esta variación.

Cuando la tonalidad cambia a mayor y el tempo avanza, el penitente entra con un coro de pecadores de mujeres. Hola, los instrumentos de viento amplían esta variación basada en la redención, alterando ligeramente la variante del tema para incluir la figura de Morden, los arpegios de arpa continúan hechos más radián con los trémulos de teclado brillantes y la versión invertida del anhelo pronto reemplaza el motivo de la redención como un elemento temático en la línea vocal. la redención cambia a los violines y luego a un solo cuerno.

Siguiendo una serie de declaraciones superpuestas de la figura del anhelo invertida mafia ahora pika trucos entra para comenzar la variación 19. Al principio, las fuerzas orquestales se reducen a un conjunto de cámara, proporcionando un soporte principalmente armónico y un arpegio decorativo. Mahler dirige a la soprano solista a cantar su banderín en oración con expresión vacilante. Ella comienza a expandir suavemente sobre el motivo de la redención que canta principalmente en tonos sostenidos. Cuando se vuelve más asertiva, más alejada de su línea melódica inicial, los instrumentos de viento de madera y el violín solo tocan su propia reelaboración de esta subvariación como una contra melodía, una secuencia mayor a menor de figuras arqueadas en violín solo, que insinúa a Kindertotenlieder conduce a la segunda parte de su variación. Ahora en mi bemol mayor. Una interesante interacción de variantes automáticas de la línea melódica en voz solista y violines ocupa la mayor parte de la subvariación. Concluye con repeticiones del motivo donum, tocado con la frase arqueada de la redención, ambos al mismo ritmo. Aquí está la 19a variación completa.

El cambio de tonalidad a mi bemol menor cambia el estado de ánimo de la vigésima variación cantada por Mulier Samaritana, la línea descendente con la que comienza silenciosamente esta variación los recuerda a los anfitriones de la primera parte, proyectando así una sombra sobre la descripción de los cantantes de la fuente de la vida. Durante la primera parte de esta variación, los elementos de la canción principal scherzando antes del curso de niños se tocan con un solo de violín y flauta, iluminando la escena. Cuando la tonalidad cambia a Mi bemol mayor, la línea vocal da un giro ascendente, desarrollando el tema cantado por el coro de chicos con diversas permutaciones del motor anhelante, esparcidas por cuerdas de viento de madera y arpa. Piccolo y flautas ascienden a las alturas a medida que se acerca la siguiente variación.

La nueva figura temática de Samaritana abre la variación número 21. Porque la línea vocal comienza con una frase que recuerda los contornos de la pandilla. Hoyt Morgan buceo swell sintonizar desde elBajando ciclo de canciones. También se utilizó como tema principal del movimiento de apertura de las primeras sinfonías. El corral de la primera parte aparece con vientos fuertemente acentuados en un molto retard, la última línea de Samaritana se canta con una frase descendente que se mueve hacia una cadencia, que se alcanza cuando de repente salta una octava completa en la nota tónica. A la altura de un crescendo, un pasaje de puente orquestal nos lleva a la siguiente variación. las trompetas marcan el camino con lumen acentuado sobre los cuartos vientos civiles que caen que conducen a un indicio de redención en los vientos de madera altos. Este pasaje también nos da un anticipo de Das Lied von der Erde relacionado particularmente con su movimiento Trinkilied. Una brillante transición orquestal de cuatro compases conduce directamente a la siguiente variación y trae consigo otro cambio de tono a sol menor.

La música Scherzando domina las siguientes variaciones, en un tempo rápido la 22a variación presenta María Aegyptiaca Desarrolla aún más el principio de la línea musical horizontal de la variación en curso con frecuentes giros entretejidos con la voz. La orquestación sigue siendo de textura ligera, con trinos de cuerda y viento de madera utilizados para un efecto decorativo. Al inicio de esta variación, segunda parte, flautas y oboes volvieron al motivo de redención que inició la variación 19, agregan el motivo der Tag ist schön. A partir de entonces, el cantante varía enérgicamente la melodía estirando los intervalos invirtiendo las frases escalares. La variación 23 comienza con un cambio de tono a Do mayor.

El tempo continúa aumentando rápidamente en preparación para el trío vocal que dominará tanto esta como la siguiente variación de aleteo con anticipación nerviosa, la música se mueve rápidamente, como por un susurro cuando Magna Peccatrix, Mulier Samaritana y la María Aegyptiaca Forme un trío entrando canónicamente en el motivo de redención que ocupa un lugar destacado durante esta variación. El trío vocal canta alrededor del retardo de CounterPoint de dos partes. La línea vocal contiene varias permutaciones de los motivos principales que contrastan el movimiento escalonado, con saltos de una octava, y un cuarto contrapunto inmaculadamente entretejido. Una vez que el trío concluye, los instrumentos de viento de madera y las violas continúan brevemente la variación, y los fagotes cantan la variante del tema que ahora comienza con la redención y continúa con la frase descendente para nota escuchada anteriormente.

Para la variación 24, la tonalidad cambia a una brillante mayor, a medida que la música scherzando continúa en las cuerdas, combinando octavas en staccato con notas medias trinos. Para la segunda parte del trío femenino, Mahler combina dos líneas vocales, Aegyptiaca entra un compás temprano en la frase anterior de arco ascendente schrzando. Luego Peccatrix y la samaritano, canta los dulces acordes de la novena variación que combina la alegría infantil en la voz alta y la ternura cálida y maternal en las dos voces superiores. A medida que los tres cantantes desarrollan esta variación melódica, cambian roles con Aegyptiaca tomando la melodía larga de la novena variación y Peccatrix y la samaritano cantando el tema joy scherzando, flauta algo de esta variante melódica en un pasaje de puente de cuatro compases, durante el cual la tonalidad se modula en la dirección del Re mayor sin llegar a alcanzarlo. El trío vocal ahora canta su melodía principal, redención, con el primer intervalo elevado por una sexta menor a una súplica apasionada de perdón y bendición. Mientras que los violines tocan una versión diferente de la variante del tema cantada anteriormente por Magna Peccatrix. Los clarinetes hacen eco de la línea vocal anterior, como yo Aegyptiaca continúa solo para cerrar esta deliciosa variación. En una frase descendente, el telescopio está en la siguiente variación.

Bañada por el sol de Re mayor, la variación número 25 continúa solo en la orquesta a un ritmo animado, como cuando Magna Peccatrix apareció por primera vez en la variación 19. La fluida música scherzando también continúa decorada por trinos de notas medias y las cuerdas, trillizos y arpegios recortados y arpas y violín solo con el movimiento escalonado y arqueado de la melodía escuchada por primera vez durante la décima variación, aunque tocada suavemente, brilla con alegría, en un colorido interpretación para flauta, oboe, mandolina y arpa. Cuatro compases de una versión reducida modificada de los ritmos revoloteadores que introdujeron Mater Aegyptiaca conducen al regreso de Pennington, ahora bajo la apariencia de Gretchen, su sencillo tratamiento de corazón cálido de la variante del tema comienza con el motivo de redención y continúa con un par de frases de dos compases, el segundo paso más alto que el primero, cada uno omitiendo el tiempo fuerte. Estas frases forman una variante de redención y una versión aumentada de larga, escuchada contra una versión alterada rítmicamente de la misma en su ritmo habitual en violines y oboe. Aquí está la primera parte de la variación 25.

Cuando el primer verso de la canción de Gretchen concluye con la palabra Gloop, los instrumentos de viento de madera reproducen una versión invertida de la variación temática que marca el comienzo de una subvariación de la variante de tema en la voz, que luego se reconfigura en los instrumentos de viento de madera. Se produce un breve diálogo entre el cantante solista de trompa y violonchelos sobre el anhelo. Dado un amplio intervalo hacia arriba en la última nota, eso no se resuelve hacia abajo como lo hace en su forma regular. A este motivo de anhelo atenuado, canta Gretchen, las palabras proféticas están tranquilosy continúa con la cadencia completa.

Un interludio orquestal resume brevemente los elementos principales de esta variación. La variante del tema se modifica acortando a un segundo, aumentando el sexto desde el primer compás de Gran Bretaña tema, con la variante de motivo de la naturaleza agregada y el motivo de anhelo convertido en una frase arqueada, qué alegre suena esta nueva versión de la variante de tema cuando se toca con la colorida combinación de flauta, clarinete, celestia y piano, nuevamente, rasgueando acordes en la mandolina y arpegios ascendentes en el arpa. El ritmo aumenta gradualmente a medida que los niños bendecidos regresan con la variación número 26. Las flautas y los violines tocan el tema de apertura de Gretchen de la variación anterior, el coro de niños ofrece una versión diferente de esa variación anterior, comienza con un ritmo de anhelo de tres notas que se extiende más alto en un movimiento escalonado en el ritmo punteado del motivo de la naturaleza. Luego, el optimismo de los tres nodos del anhelo se repite un cuarto más alto, seguido de un salto de un cuarto, que se resuelve hacia abajo en un cuarto. La segunda parte de esta variación reelabora sus dos primeros compases y les añade el motivo de la redención y la caída del venoso. Cuando el coro de niños se detiene por unos compases, los instrumentos de viento continúan con la variación anterior, extendiéndola aún más. Los violines comienzan la segunda parte de esta variación con un compás de tres notas de largo, que se extiende a una versión cromática del Cometa AV motivo, que se juega en contra de una versión abreviada de la redención en los vientos de madera y que los chicos de pechos hacen eco en su línea de cierre, aparecen una vez Lehren, los vientos de madera siguen con la versión recortada de la redención, cantada por Gretchen cuando entró por primera vez en la variación anterior, los violines se contrarrestan con el Cometa AV motivo, trabajando en un amplio tratamiento interválico de la redención. Se trata de dos compases rotos por una muñeca de medidas durante los cuales los violonchelos tienen la figura de Morden. Esta variación concluye con un doble cañón en una versión alargada del anhelo en el coro de niños, y una combinación de motivos de redención y anhelo en las cuerdas. Todos se iluminan con largos arpegios arqueados en armonio, celestia, piano y arpas, qué conmovedores son los muchachos de pechos que suplican por el conocimiento que les redimió. Aquí está toda la variación número 26 de su introducción orquestal.

Durante la sección final de esta variación, la música cobra impulso y se convierte en un Allegro con el que comienza la siguiente variación. Ahora en si bemol mayor, los blessitt boys Gailey, cantan una nueva versión scherzando de la variante del tema, los tres nodos ascendentes optimistas al que cantaron la línea. Uber molesto en se muestra en la marca en Glidden con miembros poderosos, se eleva ya por encima de nosotros, ahora está remodelado en notas repetidas, suaves trinos en el glockenspiel y acordes sostenidos en el piano armonio cuando las arpas dan la impresión de sonidos de campanas que suenan en la brillante mañana. Pronto, los violines agregan un acompañamiento flotante a la música sscherzando, ya que el Coro de Niños enfatiza elementos de redención y anhelo.
El coral de cuatro notas, ahora hecho para que suene como el motivo del donante que extiende la línea musical, se invierte y se fuerza a la forma de un Morden aumentado cuando el penitente entra en el Cometa AV motivo, su línea musical fluye naturalmente hacia el regreso de en juego. Cuando el tempo se amplía a un ritmo que todavía es un poco más rápido que el tempo uno. Ella describe cómo Fausto apenas adivina su herencia de ser recién nacido y, por lo tanto, no se da cuenta de que fue creado a imagen de la hueste celestial. Aunque está imbuido de la gracia de Dios. Este texto se coordina perfectamente con la referencia de los empleadores a estar lleno de la gracia de la IA.
Un recuerdo de la primera parte conduce a otra, las trompetas y los cuernos susurran una vena y el motivo ligero, a su vez, insinúa la redención que pronto vendrá. El aumento en la figura de la semicorchea utilizada en la séptima variación, para acompañar Pater Profundus La descripción frenética del sufrimiento de un alma apasionada vuelve aquí en las cuerdas. Al final de la canción de Pelican, escuchamos las palabras ein neuer Tag, un nuevo día, a una escala descendente que se convierte en motivo de der Tag ist schön, lo que significa que el día es hermoso, a medida que el pasaje se acerca a una cadencia cuando el templo se ralentiza, escuchamos un ejemplo de la técnica de superposición de Mahler, cuando la primera nota de la aumento de lumen El tema en cuernos y luego trompetas comienza en la última nota de esta cadencia. Lumen Accende entra aquí en el patrón rítmico en el que se escuchó por primera vez al comienzo de la primera parte, brillando con tremeloes en Celestia y violines y apoyado por notas acentuadas que descienden escalonadamente en arpa y cuerdas bajas. La aparición de este tema vibrante en esta coyuntura representa la luz cegadora del nuevo de Fausto identificado con la luz del espíritu creativo. El tempo continúa disminuyendo en preparación para la siguiente variación a medida que la figura de Morden se vuelve cada vez más prominente. Aquí está la 27a variación completa.

Una cadencia perfecta en el regreso de mi bemol mayor trae consigo la variación 28 y la tan esperada Mater Gloriosa. En un templo muy amplio, suavemente le pide a Fausto que se eleve a esferas más altas, repitiendo tiernamente la palabra ¡Komm! en tonos enteros separados por una cuarta ascendente, invirtiendo así las notas iniciales de venoso, una flauta solista y la redención del sonido del arpa y las cuerdas más bajas y el armonio tocan una variante retrógrada del motivo de luz, utilizando su ritmo punteado con intervalos ascendentes más amplios, como se canta en parte uno a la palabra censo. Mientras Mater Gloriosa continúa invocando a la gloria, los instrumentos aislados juegan varios motivos principales. Los cuernos tienen el motivo de anhelo, lo que lleva a una inversión de der Tagen del motivo ligero tocado por las cuerdas más bajas al comienzo de esta variación, los violines tocan el motivo de la redención en un oleaje a medida que el tempo se vuelve más rápido, y un grupo de viento superpuesto Toca lumen accende, al que una flauta y un fagot añaden el sentido de la frase us, y una trompeta, la figura de Morton. Este conjunto de motivos aislados, susurrados suavemente en diferentes instrumentos, rodea la belleza de los acordes de la Mater Gloriosa cuando concluye nuestra demasiado breve aparición, canta una versión alargada de redención con la figura mordana interpretada por los cuernos, a medida que la música avanza. otra cadencia completa. Voces masculinas de coro para repetir suavemente su primera convocatoria, Komm! Komm! recordando el Bombas Bhim del coro de ángeles y el quinto movimiento de la tercera sinfonías, las cuerdas de bajo arrancan el motivo de redención sobre un acorde de si bemol en armonio, que cambia en una quinta aumentada a medida que la tonalidad vuelve a mi bemol mayor, la clave de la siguiente variación .

En una calurosa respuesta a Mater Gloriosa, su llamado, el Dr. Marianus canta un himno de gracia en la extensa variación 29 y final, dentro de un rostro de adoración, invita a la multitud a mirar hacia el cielo, blicket hacia la variante emergente de la naturaleza del motivo, cuyo motivo En relación con el motivo pectoral, el ritmo de los tres sin puntos se vuelve muy importante, primero expresado en voz baja como si estuviera internalizado, y luego de manera más asertiva, esta figura motívica asciende paso a paso como cuando los niños bendecidos la hicieron parte de la variación 26. Esta figura rítmica punteada también se asemeja al grito de los jóvenes ángeles de qué asco Alf, su repetición inmediata aumenta en un cuarto, al igual que la versión de Mater Gloriosa que llama Komm! Komm! cantada por coro al final de la variación anterior. los violines entran en una nota fuertemente acentuada que se suaviza al presentar una frase melódica que abarca lumen accende, anhelo y la figura de Morden, arpa arqueada, arpegios iluminan la línea melódica. Marianus dice una llamada repetida de salud más sombría que resuena en toda la orquesta, mientras que los coros cantan Glorioso invocaciones de Komm! Komm! llevando la variación a un clímax conmovedor.

Ahora, el Dr. Marianus comienza una sentida canción de dedicación a lo eterno femenino, el ritmo se afloja y la orquestación se adelgaza cálidamente y con devoción sinceridad, Marianus canta una paga a Mater Gloriosa, que resume el desarrollo de la variante del tema hasta el momento. Las notas repetidas con las que comienza el tema ahora se tocan como un ritmo punteado aumentado que es inmediatamente sucedido por el motivo de la naturaleza en su forma original, y varias reconfiguraciones del motivo del anhelo. En un suspiro furtivo del motivo de whoa el siguiente segundo menor, Marianus suplica a su amado joven motor de ceño para el alivio del sufrimiento generado por sus pasiones terrenales, y tan vívidamente representado por Pater Profundus. A medida que el ritmo aumenta gradualmente, sus palabras finales se cantan a varias versiones del motivo de la redención en un tejido entre instrumentos de viento de madera y cuerdas, los violines llevan su ferviente oración hacia el cielo, en una fusión de anhelo y redención. La nota más alta del anhelo cae al principio, pero finalmente es empujada hacia arriba con un poderoso salto, llevando la oración final de Marianus a una conclusión conmovedora, movida por su arte y juego, todas las fuerzas corales cantan. romperlo en Stretto enseñado en su ritmo original y aumentado varios elementos de la variante del tema en las figuras mordientes y anhelantes siguen inmediatamente, y llevan esta parte de la variación final a un clímax urgente en una ráfaga de Mi bemol mayor que sigue en Torrance desde la orquesta. .

Despues del ultimo blicket off, la orquesta irrumpe con renovado entusiasmo para comenzar un extenso pasaje puente que finalmente conduce al coro mysticus. A pesar de una sensación de anticipación, el ritmo es pausado y el estado de ánimo relajado, los instrumentos de viento de madera afirman la redención de la motivación en los estratos con los metales sobre los tremeloes del teclado y los arpegios de cuerdas. El más sombrío auf Figura, ahora se escucha un motivo completo en entradas secuenciales que emanan de varias secciones de la orquesta. Su heroica convocatoria parece llamar a toda la humanidad a reconocer el poder del amor, como medio para la creatividad. Después de un breve retraso, el templo se ralentiza aún más hasta Adagio, el coro uno entra suavemente con la segunda estrofa de Marianus dice oración dicha principalmente al motivo de la redención, con interjecciones de sombrío Alf a través de una serie de modulaciones armónicas que son paralelas al ritmo gradualmente creciente, las fuerzas corales se expanden sobre el tema de la canción del Dr. Marianus en olas de redención que se vuelven cada vez más apasionadas. En otra versión alargada de ese motivo, la música llega a un clímax, ya que el coro llama con anhelo al representante inmortal de lo femenino eterno, la Reina Virgen. Los cuernos hacen eco de sus gritos, como pidiéndole que emerja.
En la cúspide de un largo crescendo en la redención que se construye en un acorde de séptima suspendido, Mi mayor se establece firmemente en un poderoso rugido de blicket alfa en un coro de viento entonando una valiente afirmación de fe. Contador de sopranos y violines con frase arqueada de redenciones que agrega una versión diminuta ligeramente alterada. Parte del tema principal queda así desarrollado casi en su totalidad, a lo largo de esta respuesta coral a Marianus dice la dedicación a lo eterno femenino, la sombrío y alfa el motivo funciona como una llamada a la que responde la redención. Después de cuatro compases, las voces se suavizan de repente. Los violines ascienden lentamente en una secuencia ascendente basada en una figura de redención abreviada que se basa en un enorme crescendo para agitar un piano y arpegios de arpa. Pero esta acumulación no alcanza un clímax, en su apogeo el coro uno se une al coro mientras se hinchan en un glorioso fortissimo en una súplica por la gracia divina. Sobre la última palabra de este segmento del poema, canadiense durante esta enorme afluencia de sonido, un solo de trompeta toca el motivo anhelante contra la redención en instrumentos de viento de madera altos y cuerdas bajas. Una vez más, parece que la resolución final está a la mano. Escuchemos desde el pasaje del puente en mi bemol mayor hasta el cierre de la sección coral.

Sin embargo, la resolución se retrasa de nuevo porque no se produce una cadencia. En cambio, la orquesta se hace cargo en un extenso interludio que gradualmente despeja el aire y suaviza el estado de ánimo de la sección final. Los vientos nos convocan a mirar la gloria celestial del cielo en una secuencia superpuesta de blicket Alf. Los violines tocan una variación del anhelo en la que las notas ascendentes escalonadas conducen a una caída hacia abajo en lugar de saltar hacia arriba, seguida del motivo de la redención. Una cadena de arpegios en piano y arpas crea ondas de sonido que suben y bajan suavemente. Cuando el tempo avanza con más urgencia, cada repetición de Glickenhaus se mueve a un plano superior, mientras que una sola trompeta en tonos el motivo del anhelo en una secuencia ascendente de repeticiones. Esta combinación de anhelo y blicket off lleva el loft musical a un clímax fuerte, rápido, los trombones de Greenwich culminan el advenimiento de la iluminación redentora con una poderosa declaración del motivo de la luz.
Sin dejar tiempo para disfrutar de esta luminosa visión, la música se suaviza repentinamente en el motivo ligero interpretado en una versión extremadamente alargada por vientos suaves puntuados por pizicatos de cuerdas bajas y fuertes golpes de timbales, tréboles de violín y ondas de arpegio de tripletes en Celestia, piano y arpa. anticipar el final de Das Lied von der Erde. Gradualmente, estos sonidos celestiales se desvanecen y la música se vuelve más relajante, como si flotaran suavemente en el espacio, los timbales reproducen sutilmente el motivo de la luz. Pronto el tempo se acelera cuando los cuernos susurran lo sombrío alfa motivo en octavas y secuencia superpuesta. Cuando las trompetas y luego los clarinetes colocan sus lustrosos tambores al servicio de su motivo vital. Primero, los violines susurran suavemente el lumen accende, los segundos violines siguen casi imperceptiblemente con la cuarta caída del uno venoso en octavas sostenidas largas, mientras que los clarinetes emiten su última llamada de blicket fuera de los cuales la música disminuye hasta la extinción como dirige Mahler.

La quietud de los asaltos envuelve la atmósfera durante el pasaje del puente celestial que sigue. En un tempo lento y fluido, un conjunto de cámara emerge con música que flota suavemente hacia arriba en una versión alargada de anhelo en Piccolo y armonio, puntuada suave pero claramente por acordes de corazón sobre el motivo ligero, todo lo que nos atrae hacia el cielo contra la fuerza compensatoria de los arpegios descendentes. en Celestia y piano. Las cuerdas casi desaparecieron durante este segmento, qué serena la música se convierte en un resplandor con resplandor interior, la luz del ser eterno por fin se ha hecho visible desde las alturas de Piccolo y clarinete cuando su camino hacia un suelo más firme, en una larga línea contra la mitad. notas que descienden a armonías de acordes de séptima en trompas, trombones y armonio. Todo iluminado por Celestia y acordes de piano. Este coro instrumental nos lleva suavemente a las regiones gozosas, donde el coro mysticus expresará con palabras de verdad trascendente, lo que ya ha iluminado nuestro ser interior, y sentará en libertad nuestro espíritu creativo.

Hemos llegado por fin al momento hacia el que se ha dirigido la segunda parte, si no toda la Sinfonía. Es el momento de la plenitud que proporcionará lo que ha faltado hasta ahora, una declaración completa del tema principal y ese elemento esencial necesario para liberar el espíritu creativo, el amor. Comenzando en un tempo muy lento, el coro mysticus canta viga inmortales líneas finales al tema principal que se ha ido desarrollando gradualmente durante las 29 variaciones precedentes. Este tema celestial culmina y resume el proceso de construcción y esfuerzo que ha motivado toda la Sinfonía. Los coros combinados comienzan tan suavemente que apenas son audibles. Mahler dirige que cantan wie ein bloßer HauchComo un soplo, se recuerda aquí la entrada coral inicial en el final de la Segunda Sinfonía, también canción virtualmente acapella, así como la puesta en escena del mismo texto de Liszt que cierra la versión coral de una Sinfonía de Fausto.
Los modos de la naturaleza y el anhelo están integrados con aumento de lumen en una representación musical del anhelo de la humanidad por la iluminación espiritual. Apenas una coda, la sección final no es una mera ocurrencia tardía, ni una simple reafirmación, sino el cumplimiento del objetivo subyacente que ha sido la fuerza motivadora que llevó la sinfonía a esta conclusión profundamente conmovedora. Gradualmente, el tempo se acelera a medida que el tema principal avanza en forma cada vez más contrapuntística, a un acompañamiento orquestal gradualmente ampliado. El cuerno solo entra en el anhelo, seguido de violines sobre un tema contrario que incluye una versión invertida del anhelo, respondida por su forma original y los instrumentos de viento. Sobre las alas de este motivo edificante, la música se eleva cada vez más alto. Los dos solistas de los Soprano cantan por encima de la multitud, instándonos al cielo en una extensión del tema principal. La tensión aumenta a medida que las fuerzas orquestales continúan creciendo, y el ritmo se vuelve más agitado, el anhelo y la redención combinados, y el contrapunto II interrelacionado tanto en los coros como en la orquesta, a medida que la música se vuelve gradualmente más determinada, en su esfuerzo por lograr la plenitud, se construye a fortissimo al principio. en los cursos solo, y luego más lentamente en la orquesta.

El acercamiento orquestal a los últimos versos del poema de Goethe es nada menos que abrumador. Aquí me viene a la mente otra última línea de texto. La última línea de la canción de medianoche de Friedrich Nietzsche también Zoroastro, Zaratustra, que aparece en la tercera sinfonías Cuarto Movimiento, alle freude morirá ewigkeit, toda alegría quiere la eternidad.
Por fin, el significado de esta profunda expresión puede entenderse plenamente, y su conexión con el principio del eterno retorno a apreciar mejor lo que es eterno, nos hará avanzar volviendo de donde vino. Como para verificar este principio. Primero gritan voces masculinas y luego femeninas y masculinas ewig, ewig, para siempre, para siempre, por el motivo de la redención contra sus versiones diminutas y abreviadas en la orquesta, la música sigue avanzando. Por el motivo del anhelo, todas las voces reunidas, gritan la última palabra de Goethe. la línea xid se afina, llevándonos hacia la conmovedora conclusión de la sinfonía. Gritos de coral de ewig, ewig se estiran a medida que la sección alcanza lo que parece ser el clímax final de las sinfonías, disminuyendo la velocidad a zante múltiple. Los bajos y las voces resuenan de manera conmovedora el motivo del anhelo del tema de lumen accende contra los tonos resonantes de su versión alargada en solo de trompeta, que se extiende hacia arriba y luego desciende en una cadencia.
Ha llegado el momento de la iluminación y la plenitud. Llega en el apogeo del esfuerzo ascendente de la música cuando todas las voces con orégan, ingresan fortissimo en un acorde de A bemol, para cantar el tema principal de las inspiradas líneas finales de Goethe. Como ocurre muy a menudo en el octavo, el momento de llegada se alcanza precisamente al mismo tiempo que un nuevo tema. Aquí entra el tema principal. Qué maravilloso momento la llegada de la verdadera plenitud. Lo que se logra aquí no es simplemente el clímax de una sinfonía, sino de toda la sala de Mahler. Parecerá que la lucha de toda la vida de Marla con su demonio interior. Sus dudas sobre el valor de la vida ante un sufrimiento implacable, parecen resolverse en los magníficos acordes que abre la sección de cierre de las sinfonías, repitiendo los primeros versos del coro. mysticous Mientras el coro continúa con el motivo del anhelo, la siguiente línea del texto de Goethe es a la nueva gracia de Heine, sentimos el tremendo poder y profundidad de estas palabras. Porque, como sugiere la palabra, el sufrimiento de nuestro esfuerzo constante es verdaderamente efímero. De repente, los coros se suavizan con la palabra Grandeza., como para enfatizar el estado emergente de trascendencia en progreso. Las voces masculinas entran con fuerza y ​​ascienden al iniciar sesión directamente en el Pastel AV motor. La tala ha logrado su objetivo, la verdad eterna. Una vez más, los elementos motivicos principales se entrelazan contrapuntualmente en el coro, a medida que el tempo avanza gradualmente hacia la apoteosis final. Los poderosos cuernos afirman la variante invertida de estos modos que se escuchan durante el largo desarrollo del tema principal, mientras las voces masculinas nuevamente nos instan a seguir adelante con las notas ascendentes del anhelo, el sonido de las trompetas. aumento de lumen, sosteniendo la nota más alta para que el coro completo entre en fortissimo con una cadencia completa en Hinault. Es con este magnífico prorrateo que las enormes fuerzas corales concluyen el poema inmortal de Goethe.

En los cursos el acorde de Mi bemol final que explota en un poderoso golpe tam-tam y una banda de metal interna resuena con venas una ensanchada como si llegara a sus límites, durante la cual el correspondiente metal interno y conjunto toca el motivo ligero para marcar el comienzo de los compases finales, a una secuencia de acordes cambiantes y vientos y teclados, comenzando en la tecla de inicio de Mi bemol. El motivo de luz original resuena en trombones con tremenda potencia, puntuado por timbales y platillos. Después de otra explosión orquestal al final de la declaración completa del motivo de luz asociado con la sección gloriosa que terminó la primera parte. El motivo de luz resplandece una vez más en los instrumentos de viento de madera y las trompetas, los cuernos y los trombones tocan su inversión. Sonidos abrumadores llenan el agujero con el poder de la iluminación trascendente. Cuando la luz vuelve a alcanzar la palabra del cielo, la confusión del sonido se detiene de repente. Sin embargo, otra interrupción amenaza con impedir la resolución final. Después de una pequeña pausa, que crea una tensión increíble, toda la orquesta explota de nuevo en un resplandor de gloria en un acorde de mi bemol mayor masivo. Emergiendo de este enorme acorde, una banda interna a menudo toca a lo largo de todo el modelo, nos llama hacia adelante, con las primeras tres notas del motivo ligero, pero ahora el intervalo entre las dos últimas notas se estira de una séptima a una novena, lo que implica que el esfuerzo humano es interminable, incluso después de que se alcanza la plenitud. En el sonido conmovedor de un acorde mi bemol mayor sostenido durante mucho tiempo. Esta gigantesca Sinfonía coral concluye con un potente trazo orquestal.

No debemos pasar por alto que Mahler extiende el intervalo entre las últimas notas ascendentes del motivo de la luz al final. La extensión intervocálica simboliza la creencia de que la verdadera gloria de la vida está en la aspiración a la realización y no en su logro, como la verdadera esencia de la vida. el amor está en el amar. También es significativo que Mahler use la misma música para las palabras cada neurona es glicina, como para escucha ereignis venerado. Al hacerlo, duplica el positivo de Goethe, lo transitorio no es más que una imagen y lo que aquí es plenamente adecuado se vuelve real. Ambas frases se interpretan así, lo que podría ser transitorio es así, porque no está del todo satisfecho, su existencia fugaz carece de sustancia y profundidad. los pasajes donde la consumación se reemplaza por tonos sostenidos en lugar de cierre sugieren que los pasajes anteriores no son en absoluto transitorios. El amor personificado nos atrae hacia adelante. Pero resulta que nos esforzamos por el amor como una motivación para seguir esforzándonos, no como un fin en sí mismo. En este sentido, el amor humano es transitorio, pero proporciona el catalizador necesario para la creatividad, que es a la vez más sustancial y duradera. En otro nivel, las últimas palabras de Goethe evocan el viejo conflicto filosófico entre ser y devenir, para Mahler. Como para cualquier verdadero artista, es el proceso de creación, animado y realzado por el esfuerzo, y no su finalización en lo que se puede encontrar la verdadera realización. Lo que se necesitaba para que la creatividad floreciera en la primera parte se descubre en la segunda parte, el amor iluminado por la búsqueda de la plenitud. El espíritu humano requiere la creación artística para lograr verdaderos logros, y la creación artística no puede suceder realmente sin amor. Por tanto, la vida es un proceso eterno que nos lleva hacia adelante. Esta afirmación del proceso como cumplimiento es también una confirmación del eterno retorno, una respuesta al movimiento de Nietzche de la tercera Sinfonía, “La alegría la mayoría vence el dolor allí con el espíritu criado que está motivado por el amor. Este es el verdadero valor de las luces."


Por Lew Smoley

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