Guía de escucha - Movimiento 4: Adagio. Sehr langsam und noch zuruckhaltend

Transcripción

Habiendo sido sometido a la violencia rabiosa, la furia maníaca y la burla burlesca del rondo burlesque, el espíritu humano parece estar condenado a un destino trágico, si los movimientos que siguen nos llevan a la conclusión de que todo lo que es civilizador y humano y la vida humana debe Al final, ¿qué más podría tener que decir el final? Incluso Gartenberg describe el último movimiento como más un epílogo que un final, no resume ni resuelve los conflictos que precedieron, Mahler no proporciona una apoteosis conmovedora como lo hace en los movimientos finales de la mayoría de las sinfonías de nosotros. Si, como sugieren muchos comentaristas, este final tenía la intención de expresar una completa resignación a la mortalidad humana, o la derrota total por las fuerzas negadoras de la vida, ¿por qué está tan angustiado? ¿Tan plagado de dolor y sufrimiento? ¿No valdría la pena renunciar a vivir como se describe en los movimientos anteriores? ¿La última despedida de Mahler es negativa o afirmativa? ¿Implica la derrota del espíritu humano o su victoria final? En este Adagio final, Mahler sondea las profundidades del alma atribulada del hombre moderno, con aguda sensibilidad expresa la angustia internalizada que proviene de una conciencia subconsciente del dilema de la vida contemporánea. Independientemente de lo que pretendiera con las emociones finales desgarradoras, la despedida de Mahler es aparentemente una reacción a la única conclusión que uno puede sacar de los movimientos precedentes, que las fuerzas dentro de la sociedad y dentro de nosotros que buscan destruir lo que es el valor de la vida, han tenido éxito. en su objetivo. Pero si Mahler imaginó el fin de la humanidad en los primeros tres movimientos, ofrece una súplica apasionada por su supervivencia en el final. Mahler amaba tanto la vida que no podía aceptar la derrota de todo lo que humaniza y mejora la vida sin alzar la voz en señal de protesta. Porque Mahler, como Nietzche, sólo dejaría al descubierto las terribles visiones que evocó, para representar la devaluación de la vida, para mostrarlas como lo que realmente son, el presagio de la muerte de la civilización. Aquellos que Mahler concluye la Novena Sinfonía con una ardiente oración por la supervivencia de la humanidad, desde los primeros compases, una atmósfera religiosa impregna la música, no desde el final de la Segunda Sinfonía la forma de expresión musical de Mahler había sido de naturaleza tan espiritual.

El primer tema es como un himno luterano, ambientado en un contrapunto barroco de fuego con pasión. Cada vez que se repite, alza la voz con cada vez mayor intensidad, hasta que una crisis le devuelve pensamientos de muerte, y con ella, una oración final que se desintegra paulatinamente en el olvido durante los compases finales. A diferencia de los movimientos precedentes, ningún conflicto de fuerzas opuestas domina la música. No obstante, como señala Floros, "la idea de los contrastes se lleva al límite". La frase de marcado de los clarinetes en mi bemol basada en la figura del giro en el motivo uno y el burlesco rondó se transfigura en una súplica apasionada por la vida. Contrapunto de textura gruesa, contraste, con una cámara como la amplitud, la pasión ardiente se disipa en una tranquila quietud, que recuerda los momentos finales de su ob hoja. Mahler intensifica estos contrastes a medida que avanza la música. Las cadencias engañosas interrumpen las intensas acumulaciones que terminan en escalas ascendentes silenciosas que no conducen a ninguna parte, secuencias ascendentes de segundos descendentes que en el primer movimiento alcanzan el cielo, solo para volver a sumergirse impotentemente en la tierra. Tres veces se dice la oración, cada vez con más fervor, ¿por qué la vida debe parecer tan débil frente a la muerte? ¿Por qué el espíritu humano es tan fácil de atacar desde su lado oscuro? No responder a estas preguntas existenciales podría resultar en una negación nihilista del valor de la vida. Habiendo pasado toda una vida buscando respuestas a estas preguntas en su música sin completa satisfacción, Mahler bien puede haber llegado a un punto muerto crucial, pero debe encontrar una manera de afirmar la vida, no rechazarla. Lucha hasta el final contra la mera resignación a su destino, y finalmente encuentra una verdadera y completa aceptación en la profunda serenidad de las últimas medidas. Leonard Bernstein sugirió que el noveno byte sea visto como un adiós a la tonalidad, un principio de composición que alguna vez se consideró esencial para todo lo positivo y afirmativo en el lenguaje musical. La disonancia por tonalidad y las progresiones armónicas descarriadas ya destrozaron gran parte de la música tonal pura en los movimientos anteriores. También recuerdan la música de finales del siglo XIX de Wagner, Bruckner y Strauss, tanto como anticipan la música del futuro, y si bien Mahler ciertamente participó en la disolución de la tonalidad que había comenzado con Wagner, si no antes de él, Mahler permaneció casado con sus principios básicos como un marco dentro del cual comprometer su genio creativo. La estructura tonal general del noveno retrocede desde los primeros movimientos en Re mayor hasta los finales en Re bemol mayor Donald Mitchell sugiere que esta reducción de la tónica en un semitono, “no es una solución de compromiso, sino un reconocimiento absoluto de la realidad que realmente destruye el arte y su vida que Re mayor ya no era posible ”.
La vida perdida en la imagen musical llega a su fin, muchos comentaristas creen que este final conmovedor expresa la resignación, tanto abstracta como personal, el constante tirón hacia abajo del material temático, el resurgimiento del motivo de despedida que quedó sepultado bajo el diluvio de la burla en el burlesque y la frecuente caída agonizante de la mediana supertónica. frases tónicas de uso frecuente en la música romántica alemana para transmitir un sentimiento de nostalgia y melancolía. Todos descienden al abismo, pero las referencias musicales a Der Abschied, Kindertotenlieder y el movimiento natural de la Tercera Sinfonía podrían implicar que hlerMa va más allá de la resignación. La inversión de la figura del giro de un arco hacia abajo a uno hacia arriba al final del movimiento podría significar algo más positivo que la mera sumisión a la mortalidad humana. Se sugiere que al final del noveno, con los últimos sonidos de la vida emitidos entre largas pausas, como si buscara a tientas desesperadamente una expresión, Mahler acepta la muerte como parte de la vida.

El final de Das Lied muestra que el profundo amor por la vida de Mahler no podía permitirle resignarse a un destino trágico o maldecir la vida, ya que votar, por ejemplo, no devuelve a Kira al desearlo a su adversario. En los momentos finales, Mahler está tranquilo y acepta, su amor por la vida es demasiado fuerte para perderlo, incluso en la muerte. Como el tercer movimiento, el final tiene un título, adagio. Es distinto de su mercado de templos de apertura, al nombrar así el movimiento, Mahler pudo haber tenido la intención de rendir homenaje a su mentor, Antoine Bruckner, cuyo último movimiento sinfónico completo fue un Adagio, también escrito para una Novena Sinfonía. La música de los dos primeros compases del final brinda más evidencia para apoyar esta explicación, ya que Mahler parafrasea la apertura del movimiento Adagio de Bruckner en tonos vacilantes y con un fuerte acento. Varios elementos musicales se pueden asociar fácilmente con Brookner, una figura rítmica punteada que sigue saltando hacia arriba una octava, el giro wagneriano, que ya jugó un papel importante en el movimiento en curso, y una frase escalar descendente que se mueve hacia una cadencia de violines tocando en al unísono ofrecen obesógenos conmovedores a la memoria de Bruckner en los dos primeros compases.

Es interesante especular si Mahler tenía la intención de hacer esta referencia abierta a la música de Brooklyn, no meramente dedicatoria. Al final de la vida de Mahler en lo que podría haber pensado que sería su último trabajo, mira hacia atrás con reverencia y hacia adelante con todo y temor. En el tercer compás, las cuerdas comienzan el primer tema, observe el gran parecido con el himno luterano Estáte conmigo. Este tema profundamente expresivo similar a un himno para cuerdas se toca suavemente en la polifonía barroca de un elenco especialmente bachniano aquí para Mahler bien puede haber pensado que estaba rindiendo homenaje al gran cantor de Leipzig, quien fue una fuerte influencia sobre Mahler desde su período medio en adelante. . Que el primer tema siga inmediatamente a un homenaje a Brookner posiblemente indica una relación en la mente de Mahler entre estos dos grandes compositores. Al mismo tiempo, varios de los predecesores de Mahler habían utilizado el tema de apertura, comenzando con una breve escala descendente del medio supertónico a tónico, como un gesto musical para provocar un sentimiento de despedida. Por ejemplo, al comienzo de Beethoven's Les Adieux Sonata para piano.

También recuerda la serena calma y la suave fluidez del movimiento Adagio de Cuarteto de cuerda de Beethoven Opus 132, los giros arqueados hacia abajo aparecen con frecuencia en las líneas entrelazadas de contrapunto que rodean el primer tema. Escritos con acentos agudos, estos giros refuerzan los temas del carácter religioso del reverendo Quasar. A medida que avanza el tema, se vuelve más asertivo, es una compostura pacífica, dando paso a una intensa pasión. Mahler alude a una frase del primer movimiento de la Segunda Sinfonía, cantada con las palabras Ich wäre viel lieber im Himmel, Preferiría estar en el cielo.

En el camino hacia lo que parece ser el final del primer tema, es interrumpido por el suave sonido de la nota tónica, D medio bemol del violín, suspendido como al borde de un abismo, y la textura polifónica se disuelve momentáneamente. . Escucharemos el comienzo del primer tema, el momento en que un re bemol sostenido interrumpe brevemente el avance del sujeto.

Desde la quietud creada por este tono sostenido, el fagot entra silenciosamente y avanza pesadamente hacia arriba desde un re bemol bajo con una frase escaladora que proyecta una sombra oscura y misteriosa sobre la música. Continuando durante aproximadamente dos compases, el segundo de los cuales es una variación rítmica del primero, esta triste frase responde y contrasta con los dos compases iniciales de la paráfrasis bruchneriana, suena una nota ominosa en medio de la oración Arden de Mahler. Las cuerdas entran con fuerza a la altura de la escala ascendente de los fagotes con el segundo tema en la luz barroca CounterPoint. Ambos temas principales tienen elementos similares, como el primer tema, el segundo comienza con una frase descendente, ahora tocada cromáticamente en la secuencia media descendente, supertónica, tónica, y en ritmo anapéstico, en lugar de punteado. Las frases cromáticas descendentes del segundo tema recuerdan el motivo de desesperación del primer movimiento. Una vez más, las figuras giratorias sirven como un elemento importante del diseño contrapuntístico. Sin embargo, a diferencia del primer tema, el segundo comienza con fuerza, en solo cuatro compases se convierte en un fortissimo, momento en el que el motivo der Tag ist schön aparece en los segundos violines. Ese motivo lo repiten los primeros violines en el compás siguiente, con su interés muy extendido. Con esta repetición del motivo der Tag, las cuerdas de repente se calman, dando paso a una variante del segundo tema tocado por un solo de trompeta. Sobre el motivo der Tag en los primeros violines. Una cadencia de playgirl frena momentáneamente la creciente intensidad, pero cuando el segundo tema se reanuda después del solo de trompa, es tan intenso y contundente como antes. Se basa en solo dos compases en una fuerte repetición del primer tema, que ahora avanza con gran urgencia. Primero, los violines suben hacia el cielo en una secuencia ascendente de segundos descendentes, el motivo de una despedida, recordando una frase similar que apareció en el segundo movimiento, justo antes de la sección final. Esta frase trepadora se basa en un crescendo pero no alcanza ni un clímax ni un cierre, sino que cae directamente en el tema Adagio que fue anticipado por el clarinete en mi bemol en una burla mordaz durante la sección media del tercer momento. Como recordatorio, aquí está la frase de clarinete en mi bemol del burlesque Rondo. Nuevamente, como recordatorio, aquí está la frase do tog is churn for note, de la cuarta canción de Kindertotenlieder.

Una secuencia ascendente de segundos descendentes y violines que parece llegar a la palabra del cielo simplemente colapsa en el tema de Adagio y pasa al primer tema, presionando hacia adelante con urgencia solo para dar paso a un tono alto sostenido en violines. Escuchemos desde el breve interludio de los fagotes entre el primer y segundo tema a través de la repetición del primer tema.

Observe que el segundo tema también contiene una frase de cambio descendente que ya había penetrado en el primer tema. El tema Adagio marcado por el clarinete en mi bemol y el movimiento anterior ahora tiene un carácter completamente diferente, que suena como una oración ferviente. Encaja perfectamente en el marco del primer tema, aunque solo aparece brevemente. Cuando los primeros violines saltan hacia arriba a una super octava A, rápidamente se suavizan a pianissimo esta función de A alta.Justo como lo había hecho el D bemol de rango medio durante el interludio de dos compases que continúa con el segundo tema, creando un aura sónica, cuando de repente se ve privado de cualquier acompañamiento. . Emergiendo de la atmósfera mística de este tono suave y sostenido, el contrafagot y los violonchelos entran lentamente, arrastrándose hacia arriba desde las profundidades en la misma escala o frase tocada por el fagot como un interludio entre los dos temas principales. Después de que el tema base se arrastra hacia arriba como antes, los violines deambulan soñando hasta tarde en una ensoñación nostálgica sobre elementos del primer tema en contrapunto con una variación extendida del mismo en una línea de base ascendente en cuerdas bajas sin los viejos, los primeros compases de la melodía del violín. , analicemos el tema principal que Mahler esbozó para el final de la Décima Sinfonía. Los violines solistas retoman el tema de los segundos violines en stretch con cuerdas bajas, mientras que los primeros violines suenan sutilmente la frase escalar ascendente en su registro más bajo, una cualidad oriental transparente, similar a pasajes de Der Abschied impregna la música, orquestación de música de cámara, y la yuxtaposición de registros extremos realza el aura mística de este pasaje, embellecido con material lineal compensatorio. A medida que el tempo avanza levemente, entran los vientos de madera con el motivo de despedida, resonando contra las repeticiones de un fragmento del primer tema que desciende escalonadamente. Este pasaje puente conduce directamente al retorno del material principal en la tónica tónica y el tempo original.

A partir de aquí Mahler desarrolla ambos temas principales de manera conjunta e independiente, manteniendo un conjunto de cámara, tiene un solo trompa doblado por segundos violines que tocan un segmento del segundo tema, mientras que los primeros violines y violas tienen parte del primer tema. Dado que estos temas contienen elementos comunes, siendo la figura del giro y la escala o frase descendente los más destacados, se adaptan perfectamente a la integración contrapuntística. Pronto, la música se vuelve más apasionada, asertiva y con un fuerte acento. Los intervalos extendidos desgarran las líneas temáticas contrarias hasta que las cuerdas afirman con fuerza una frase con un acento completo que combina los primeros compases de los dos temas principales en orden inverso. Luego, el segundo tema entra en los segundos violines mientras la música se enciende en saltos interválicos que arden con pasión. Al acercarse al clímax, la música parece resistir la combinación, reprimiéndose con una fuerza increíble, la línea musical se ve forzada hacia abajo después de un poderoso empuje en los vientos en un acorde de séptima en Re mayor. A medida que la música disminuye gradualmente, en segundo lugar, los violines descienden lentamente en notas negras sostenidas que parecen flácidas y cojas. Una vez más, un esfuerzo por llevar la música a un clímax fracasa, en cambio, la frase descendente en los segundos violines se telescopía directamente en la repetición del segundo tema que comienza con una variación del segundo tema tocado por las cuerdas. Los elementos del segundo tema se entrelazan con los del primero para que sean prácticamente indistinguibles en la polifonía de múltiples capas. Tenga en cuenta que esta sección comienza con una variante del motivo der Tag en los primeros violines. El siguiente extracto comienza con la primera medida de la convergencia de ambos temas principales y termina cuando regresa el segundo tema.

Una vez más, la música se construye y avanza en otro intento de resolución. Esta vez, sus esfuerzos son más convincentes que antes de la secuencia ascendente de segundos que caen, el modo de la despedida escuchado antes, reaparece al final de esta acumulación, elevándose aún más alto que antes en una súplica urgente de consumación, pero ninguno resulta en el final. En el punto más alto de su ascenso, los violines quedan varados en el aire, aferrados a un La alta bemol que de repente se ablanda, ensarta silenciosamente otros fragmentos de los temas principales, continuando enfocándose en la figura del giro hacia abajo y las frases escalares descendentes, agregando una versión invertida del motivo der Tag.
Cuando el nivel dinámico se suaviza repentinamente, la orquestación se reduce a cuerdas y algunos instrumentos de viento de madera, las notas iniciales del primer tema suenan dulcemente antes de que las tiernas tensiones de las cuerdas se desvanezcan, un tamaño de oboe en el primer tema, mientras un clarinete toca el primeras notas del segundo, y un violín solo tiene la figura de giro. En esos momentos, una profunda sensación de pérdida envuelve la música o el reconocimiento de que la realización y la redención parecen ser sueños desesperados que se pueden lograr dentro del breve lapso de la existencia humana.

La textura se adelgaza y los tonos velados parecen susurrar sonidos que tienen algún significado oculto. Los acordes de cuerda suave tienen un efecto calmante, el giro descendente se repite en tonos alargados en varios niveles del conjunto reducido, terminando en flautas en su registro medio, pero no logran resolver su último giro. En cambio, un C agudo alto es sostenido suavemente por violines, formando otro pasaje de puente tonal que conduce a la sección de desarrollo y anticipa la coda de cierre. La frase escalar ascendente que había seguido antes al tono sostenido del violín se retrasa en dos compases, donde un clarinete y un arpa tocan una figura oscilante en tercios menores, esta es una cita directa de Der Abschied y también se relaciona con el ritmo natural ondulado, procedente de el cuarto movimiento de la Tercera Sinfonía. Aquí está el pasaje de Der Abschied.

Luego entra un corno inglés con una serie de coplas ascendentes en ritmo yámbico de Der Abschied que también recuerda el movimiento de la naturaleza. Y el clarinete mi bemol superpone esta figura con un fragmento de la primera cosa, repetida por una flauta, a medida que la escala o frase ascendente entra en las cuerdas graves. Un ambiente claramente oriental impregna la atmósfera misteriosa. Estamos más allá del plano terrenal, donde la existencia se purifica de las luchas y el sufrimiento, un mundo que solo se puede encontrar en nuestro ser más íntimo, la orquestación escasa, una combinación de diversos tambores y registros muy espaciados dan a la música una cualidad espacial. Como la repetición del clarinete bajo es una variante de la frase escalar ascendente del segundo interludio, el progreso de la música se detiene repentinamente, a la espera de la recopilación de material musical desde el comienzo de la sección que se integrará más completamente durante el resto del desarrollo extenso. . Luego se repite este mismo proceso.

Los elementos del primer tema se construyen repentinamente en un crescendo que rápidamente trae de vuelta el segundo tema, expresado con fuerza por las cuerdas, con un fuerte énfasis en cada nota. Pronto el ritmo comienza a aumentar. Los vientos de madera bajos, entran con potencia son acordes llenos. A medida que el segundo tema avanza sobre der Tag, el motivo juega un papel cada vez más destacado en el desarrollo continuo del segundo tema. A medida que la música se construye y más líneas se agregan al complejo contrapuntístico, el contraste entre el movimiento ascendente y descendente se vuelve una evidencia más notable de una lucha interna del espíritu para superar el sentimiento de desesperanza que amenaza con abrumarlo y la lucha derrotada por la redención. Mientras el tempo continúa aumentando y la tensión aumenta, suenan los cuernos, el motivo de la redención como un bálsamo regenerador sobre elementos contrastantes de ambos temas principales, con diversas permutaciones rítmicas de una figura de pedal grupal, la intensidad se vuelve casi insoportable. De repente, la tecla tónica D mayor se restablece y el tempo avanza rápidamente. Aunque solo sea por dos compases, hasta que se vea obligado a calmarse cuando lleguemos al clímax principal. Gana enuncia poderosamente el segundo tema, con los oboes y trompetas atacando sus tres primeros tonos cromáticos descendentes con extrema fuerza, mientras los trombones tocan el motivo del giro, los cuernos con campanas levantadas afirman poderosamente los primeros movimientos motivo de desesperación. ¿Hemos encontrado por fin una respuesta a las dolorosas preguntas que perseguían a toda la Sinfonía? Una oleada de glissandos insta a la respuesta a encontrar la voz, y las cuerdas y los instrumentos de viento los siguen fanáticamente con la figura giratoria que simboliza el sentimiento de paz que esta respuesta podría proporcionar, pero los cuernos levantan el espectro de la condenación al afirmar sus dos primeras notas ascendentes. , y así sofocar la combinación de este pasaje, justo cuando parece listo para dar la respuesta. La música se congela en un poderoso acorde de séptima menor en Do bemol, del cual los violines perforan el aire con bemoles agudos en una versión doblemente aumentada del motivo X que niega la vida desde el principio de la sinfonía. Toda esperanza de una respuesta parece desvanecerse con cada golpe de estas notas desgarradoras tocadas en un ritmo sincopado, pero parece atacar la base misma de la existencia humana. Aquí el desarrollo alcanza su clímax trágico y termina sin encontrar la respuesta y durante mucho tiempo se ora por después del último de estos sonidos de bemoles, las cuerdas avanzan gradualmente hacia abajo cromáticamente tocando cada nota con fuerza fascinante. Este amargado clímax ha sido una extensión del compás que concluyó el primer segmento del desarrollo tocando y en tonos contundentes y alargados el modo sincopado de X. Nuestro siguiente fragmento comienza con una repetición del segundo tema, y ​​nos lleva a través del clímax del desarrollo en estos planos c punzantes del motivo X.

Como acabamos de escuchar la frase cromática de los violines cayendo lentamente y sigue el regreso culminante del motivo X, telescopio directamente al regreso del primer sujeto que comienza la recapitulación, los elementos del primer tema se entrelazan en una polifonía densa y comprimida. El carácter de la música se vuelve heroico como si rindiera homenaje a las fuerzas positivas del espíritu humano y su valiente esfuerzo por superar el miedo a la muerte. Los clarinetes, fagotes y trombones afirman el primer tema con gran fuerza, que faltaba durante la lucha anterior, los cuernos y violonchelos en la figura de giro hacia abajo, con su tog agregado, suenan confiados, como si hubieran superado las dolorosas emociones expresadas anteriormente por esta cuerda melódica. La secuencia ascendente de despedidas y los segundos descendentes a los que se les negó la resolución antes parecían haber perdido el sentido de urgencia que lo llevó hacia arriba hacia su objetivo antes. Ahora la secuencia se construye solo levemente y sin su anterior intensidad tensa, en su apogeo, el ascenso termina con un silencio repentino, finalmente se logra la serenidad, ya que la música alcanza un reino trascendente. Solo quedan los cuernos y las cuerdas, los cuernos susurran la figura del giro, y las cuerdas inferiores responden con el tema Adagio del que se deriva la figura, los primeros violines comienzan los primeros temas cayendo frase contra la cual dos cuernos tocan la frase en movimiento contrario, ambas frases y con la caída del segundo adiós.
Qué reconfortantes suenan estas frases conjuntivas, que actúan como reconstituyentes para curar las heridas infligidas al espíritu al final de la sección de desarrollo. El primer tema continúa desarrollándose, subiendo ocasionalmente con fervor en la orquesta completa. Como si estuvieran reuniendo fuerzas, una vez más, para asumir el desafío de superar el miedo a la mortalidad, los violines vuelan sobre el primer tema que regresa para su declaración final de concierto. Observe que su figura de giro ya no se juega con acentos fuertes que empujan dolorosamente al corazón. Pero la figura ahora está más tranquila, como resignada a su destino. Uno siente que al Espíritu no le quedan más fuerzas para hacer otro intento de encontrar las respuestas que lo redimirían del poder destructivo de la muerte. Si bien el orden de los primeros temas se ha enfriado, todavía da la impresión de conservar cierta confianza en un resultado positivo. Al concluir el tema, se eleva a grandes alturas y violines justo cuando su fuerza se disipa, y el resto de la orquesta se desvanece, dejando solo un pequeño conjunto para continuar durante los momentos finales. los violines en octavas altas ascienden suavemente a una super octava C natural, medio paso por debajo de la tonalidad principal del movimiento. Se aferran a esta nota, como lo habían hecho antes en un re bemol bajo, una ay de super octava y un do agudo alto. Estos tonos sostenidos previamente marcaron el comienzo de la frase escalar ascendente que surgió pesadamente desde las profundidades del abismo, pero ese abismo ya no es un símbolo de la aniquilación total en la muerte. En su lugar, unas cuantas maderas y cuerdas hacen sonar suave y suavemente las notas descendentes que dan inicio al primer tema. El corno inglés continúa tranquilamente esta frase con una octava descendente. Un segundo violín toca la figura del escalador ascendente en una secuencia continua que cae en un intervalo disonante en cada nota superior. Primero, los violines descienden lentamente de las alturas y la paz reina una vez más. Pronto solo quedan unas pocas cuerdas, mientras la música se disuelve en fragmentos temáticos, ordenados con creciente dificultad a medida que descienden hacia las cuerdas graves. Después de que los violonchelos tocan el motivo de giro hacia abajo, seguido de tonos cromáticos descendentes tocados entrecortados, la música se detiene, como si no pudiera continuar. Este pasaje de violonchelo de dos compases es una transformación completa del poderoso dolor del clímax al final del desarrollo. Pero carece de los llanos marinos en los que el movimiento alcanzó ese clímax. Un doloroso recordatorio de nuestra mortalidad, presentado en la forma del motivo de negación de la vida x del primer movimiento ahora suavizado y fundido en un solo tono. Comenzaremos con el siguiente extracto de la repetición del primer tema durante la recapitulación.

Después de una breve pausa, la música se reanuda en un tempo aún más lento, solo las cuerdas permanecieron hasta el final, los segundos violines silenciados entran suave y suavemente con una frase escaladora ascendente que es todo lo que queda del solo de fagot oscuro y premonitorio que separó a la banda. dos temas principales al comienzo del movimiento, sobre lo que sería la última página del borrador de la partitura, escribe Mahler, ¡Oh, Schönheit! Liebe! Oh, belleza, amor, y luego ¡Lebe wohl! escrito dos veces, y Mundo y otra vez Lebt wol, despedida, palabras que recuerdan El adios. Siguen fragmentos aislados del segundo tema tocados muy suavemente y con solemnidad orante, pero no pueden continuar más allá de dos compases, haciendo una pausa para respirar. Lo único que nos queda son los fragmentos rotos de una vida a punto de terminar, aparentemente sin haberse resuelto con la muerte. Es como si asistiéramos a los últimos momentos de la vida humana. Su chispa divina se va apagando lentamente, con otra breve pausa, la música intenta comenzar de nuevo, para recuperar la fuerza suficiente para continuar. Las cuerdas vuelven a entrar en un acorde disonante suave que conduce a una versión aumentada de la figura de giro en violas que cae en un siete a un acorde de séptima bemol. Cada frase corta se disuelve en una completa quietud, y cuando se revive, permanece en cada nota, como si se aferrara a la vida con la poca fuerza que queda. En el momento en que la existencia parece suspendida entre la vida y la muerte, los primeros violines susurran suavemente y con profundo sentimiento, el motivo der Tag ist schön Este motivo extremadamente significativo que simboliza el amanecer de un nuevo día ya estaba integrado en el material principal durante todo el final. Así como apareció en otros movimientos de la sinfonía, genera el sentimiento de esperanza que le dio al dolor de la cuarta canción del Kindertotenlieder con una visión de un hermoso nuevo día que se encuentra más allá del horizonte. Ese horizonte está ahora a punto de alcanzarse, por lo que esta hermosa frase surge en los momentos finales de la vida terrena.
Después de este motivo visionario concluye sólo tonos aislados, y quedan los fragmentos más pequeños de la figura girada hacia abajo y el primer tema, separados por momentos de completo silencio. La música parece suspendida más allá del tiempo, en un espacio infinito, un reino de perfecta paz y unión completa con estar "en el tempo más lento posible", escribe Mater, "los tonos de cuerdas suaves virtualmente sin pulso fluyen suavemente bajando el espíritu hasta su descanso final". En estos últimos compases, el re bemol mayor está firmemente establecido, solo para pasar a la menor por un momento, dando voz multivic a su destino. Una figura de giro más en la viola y en re bemol mayor se restablece en el último acorde, de este acorde final, las violas tocan los últimos sonidos pronunciados por el espíritu humano. Es en estas notas finales donde el Espíritu encuentra verdadera aceptación de la vida, con su último aliento, el espíritu hace sonar el motivo de giro extendido en los dos últimos compases, pero el motivo ha cambiado ya no se mueve hacia abajo como lo había hecho durante todo el movimiento. , pero se ha revertido y se mueve hacia arriba, animándonos a creer que el Espíritu por fin ha encontrado el significado de la mortalidad humana. Este giro inverso, junto con un giro descendente que se escucha a lo largo del final, forma un círculo completo, un símbolo del eterno retorno. Como en Das Lied, este principio nietzscheano de afirmación de la vida es la respuesta a las preguntas existenciales subyacentes que son el subtexto fundamental de la Novena Sinfonía. Estás ahora es la notable última página del siglo IX.

Durante el transcurso de esta extensa Sinfonía, Mahler confronta de la manera más directa y perturbadoramente franca, los aspectos negativos de la vida humana que debe afirmar si las lecciones del eterno retorno ofrecidas en Der Abschied como respuesta al temor de la mortalidad han de ser aplicadas. totalmente aceptado. En los momentos finales de Das Lied, el concepto de eterno retorno fue simbolizado por las aparentemente interminables repeticiones de frases ascendentes enarmónicamente vagas, en contraste con el Abschied de despedida. Habiendo descubierto al absorber este principio vital, el espantoso miedo a la muerte parecería haber sido superado. Pero en el noveno, donde Mahler descendió del plano metafísico al ámbito terrenal, para enfrentarse a los horrores y absurdos que debilitan y amenazan con degradar la vida, debió haber reconocido, si no conscientemente, en lo más profundo de su ser, que afirmar la vida al aceptar el eterno retorno, también debe afirmar sus aspectos más terribles. Nietzche enfrenta la misma crisis, lo que le lleva a agregar un cuarto libro a su obra maestra, También sprach Zaratustra, en ese último libro, la naturaleza dio rienda suelta a su disgusto por las inevitables consecuencias de aceptar el eterno retorno, que tendría que afirmar lo más pequeño, junto con lo más grande, lo peor, junto con lo mejor que la vida tiene para ofrecer.
En los tres primeros movimientos del Noveno, Mahler presenta una serie de conflictos en los que las fuerzas de la violencia, brutalidad, insensatez y perversidad parecen triunfar sobre lo heroico, compasivo e inocente de la humanidad. ¿Puede aceptar un mundo en el que triunfen las fuerzas de la devaluación o la destrucción? En los momentos finales del final, se cumplen sus oraciones por una respuesta a este profundo dilema, afirma incluso aquello que le provocó la mayor repugnancia. Incluso si todo lo bueno y lo malo regresara y la repetición continua para siempre, la vida aún es digna de nuestra inquebrantable devoción. Por lo tanto, la novena no es simplemente una Sinfonía de despedida, sino un himno a la vida para diferentes y posiblemente incluso más afirmativa en última instancia que la octava positiva para el trascendente Das Lied Von der Erde.


Por Lew Smoley

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