Guía de escucha - Movimiento 3: Ruhevoll (poco adagio)

Transcripción

Aunque este movimiento es, con mucho, el más largo de la sinfonía, no es el punto focal de la sinfonía, esa distinción se otorga al final, que parece ser el movimiento final más corto de Mahler. Sin embargo, el movimiento Adagio colocado entre un scherzo espectral y un final infantil proporciona un respiro perfecto de los caprichos del primero y una introducción ideal a la fantasía celestial de la escalera. Su aparente simplicidad se ve desmentida por su compleja técnica de desarrollo y su método creativo de transformación dramática y motivadora. Con sus cálidos y tiernos sentimientos de serenidad y anhelo, y su forma de variación, el Adagio puede compararse con el final de la Tercera Sinfonía, aunque tranquilo, devocional y contemplativo. Su modo de expresión nunca se vuelve más cargado o excesivamente efusivo. De hecho, a veces brilla de alegría y en ocasiones se tiñe de melancolía y nostalgia. Neville Cardus ha caracterizado el movimiento como las miradas hacia atrás de Mahler en la primavera de su vida. Mahler pensó que el Adagio era su mejor movimiento lento, posiblemente su mejor movimiento en general. BrunoWalter relata una conversación que tuvo con un compositor en la que Mahler divulga la fuente de su inspiración. Las imágenes de piedra de sarcófagos tumbados en una catedral, lo habían inspirado a la presentación de la paz eterna en la que moraban.
En un tono diferente, Mahler sugirió a su amigo y confidente no solo a Bauer Lechner, que estaba tratando de representar a una santa Úrsula sonriente, aunque no sabía nada de las leyendas sobre ella Mahler la describió como una persona melancólica pero amable cuya sonrisa estaba teñida. con una pizca de dolor. El pensamiento de esa sonrisa le evocaría recuerdos del incesante sufrimiento de su madre, nacida sin quejas y sin un efecto negativo sobre su naturaleza solidaria. Puede haber sido la conexión entre Santa Úrsula y la madre de Molly lo que llevó a Derek Cook a referirse al movimiento como una canción de cuna transfigurada. De hecho, Mahler expresa ocasionalmente el anhelo de su propia madre, en una frase melódica que suena como una canción de cuna, que simboliza el anhelo de Mahler por la inocencia y la sencillez de la infancia. La estructura de Adagio combina dos formas típicamente clásicas, Sonata y variaciones, aunque utilizadas de una manera muy diferente a la tradicional, ya que en los otros movimientos del cuarto, frecuentes desviaciones de la forma clásica generan ocasionalmente un inconfundible toque de parodia. Una figura de ostinato bajo interpretada por cuerdas bajas en piziacato, que Becker llama el motivo de la campana, le da a las secciones principales un fuerte auto pasivo que se siente dentro del contexto de la forma de variación, incluso esta figura rítmica subyacente sufre variación durante el movimiento.

Y en geniales variaciones de secuencia, los tempos cada vez más rápidos, a los que llamo Legros escalonados, sirven como una pieza central divertida. Las sonoridades de cuerdas exuberantes prevalecen en su mayor parte y mejoradas por las cuerdas bajas y ricas. A medida que avanza el movimiento, el tema de apertura se modifica y revisa con tanta frecuencia y con tanta variedad, que el tema original en sí mismo está en peligro de extinción. Solo un repentino estallido orquestal de Mi mayor despeja el aire, trayendo consigo un resplandor de luz solar brillante, del cual un indicio del tema principal del final brilla triunfalmente hermosas armonías de cuerdas que adornan la coda de cierre celestial, a la que Mahler se refirió como la música de las esferas. La melodía suave, tierna y larga que abre el movimiento Adagio tiene varias fuentes posibles. Su configuración de acordes y fluidez sostenida son similares a los compases de apertura del tercer número del primer acto de Fidelio.

Mientras se repite, el acompañamiento de pizzicato recuerda una canción de Schubert Vos es Silvia.

El motivo de Pizzicato volverá en el primer movimiento de la novena sinfonía como motivo del destino. elementos del tema de apertura derivan del tema principal del primer movimiento, ya que en la tercera Sinfonía es el movimiento Adagio, la melodía principal se toca solo con las cuerdas, al principio sin violines, que no entran en 16 compases. El primer tema consta de dos segmentos independientes. Comienza con acordes largos y sostenidos que se elevan lentamente al principio y luego producen una frase en forma de arco en el registro alto de los violonchelos. Comenzando en forma embrionaria, los temas pronto florecen en plena floración a partir de los acordes sostenidos con los que comenzó el movimiento. Mahler repite este proceso, aplanando la frase arqueada para que ya no se eleve tan alto como al principio.

Los segundos violines entran con la segunda parte del tema, una melodía a modo de canción, embellecida con giros en el acompañamiento de cuerdas, bajo el cual el motivo de hoyos de ganado continúa en su camino aparentemente perpetuo. En segundo lugar, los violines amplían la segunda parte del tema, dándole una expresión de profundo anhelo. Con el apoyo de una frase de forma similar tocada en el registro alto de los violonchelos.

Entra un oboe con la segunda parte del tema principal, contra armonías sostenidas de cuerdas. los violines luego ascienden a un registro más alto, a medida que se expanden más sobre el tema principal. En poco tiempo, se cortan con un breve interludio para trompas, fagot y violonchelos en la primera parte del tema, durante el cual el motivo subyacente del pizzicato está ausente.

A silenciosas armonías de cuerdas altas que evocan una serenidad celestial, la primera parte de los temas principales regresa y con ella, el motivo pizzicato, una variación de la segunda parte del tema, y ​​las violas y fagot se configuran como el tema de la resurrección del final de la Segunda. Sinfonía, que aquí sirve como un elemento importante del primer tema, la sección A cierra con acordes largamente sostenidos sobre el motivo pizzicato.

A medida que el tempo se afloja, un oboe solo abre la sección B con una melodía quejumbrosa en Mi menor, que constituye el segundo tema principal del movimiento en una transformación temática schubertiana, este nuevo tema comprime elementos de la primera parte de los primeros temas. Los nodos ascendentes que comienzan el nuevo tema también se relacionan con el tema principal del alma asustada y con el cuarto tema del primer movimiento, cada uno comenzando de manera similar. Una versión diminuta del motivo pizzicato, tocado en staccato por un solo fagot acompaña el tema, a medida que se desarrolla, adquiere una cualidad anhelante que deriva de la inclusión del motivo del anhelo, extendiendo continuamente su empuje hacia arriba, y conteniendo una decoración decorativa. gruppetto figura hacia el final. El segundo tema se cierra con una figura cadencial de un compás en el oboe que parafrasea las trompetas cuando introdujeron a su Kleiner Apel en el primer movimiento, una frase de violín tranquila pero figurativa se eleva rápidamente a una figura sincopada, de la cual una versión radicalmente distorsionada del oboe La cadencia entra en amplios intervalos, que de repente se sumergen en las profundidades en una inmersión de súper octava que se hace eco de los cuernos.

A la versión a doble tiempo del motivo pizzicato utilizado exclusivamente en la sección B, y el oboe toca una variación del segundo tema, elevándose en una semi cadencia en una frase que presagia la música cantada con la letra. warum tan dunkel von Flammen: por qué tan oscuro de fuego en la segunda canción de Kindertotenlieder.

Esta frase cadenciosa que casi parece insertada en el punto álgido del tema, brinda un fugaz momento de ternura. Un cuerno recoge la nueva variación, llevándola rápidamente a una efusión apasionada sobre las repeticiones del motivo del anhelo en los violines.
Los segundos que caen del anhelo son seguidos por largos saltos hacia abajo en intervalos cada vez más amplios. Al impulsar la música a un clímax poderoso, similar a la forma en que terminó la sección A, la nueva variación temática se distorsiona al verse obligada a descender cromáticamente. En este momento, parecería que toda esperanza de cumplimiento celestial se desvanece en la secuencia de inmersiones superpuestas en el abismo. Uno recuerda los tres clímax dolorosos en el final de La tercera sinfonía, en el que las fuerzas que niegan la vida intervienen para obstaculizar el logro de la redención final. Una declaración profundamente conmovedora de un fragmento de la nueva variación del segundo tema se toca con el más profundo dolor por cuerdas bajas.

Durante este clímax, D menor se establece firmemente, creando un estado de ánimo más quejumbroso para la sección final que sigue a la versión diminuta del motivo pizzicato ausente durante el segmento anterior que vuelve para acompañar una frase de trompas taciturnas sobre cromáticas descendentes en tono sostenido contra una versión triste. de un fragmento de un segundo tema en flauta extendido por un solo de violín. El tempo aumenta y la música se desvanece, moviéndose hacia un pasaje de puente basado en cuartos repetidos que caen, también utilizado por Mahler para lograr una transición durante el final de La primera sinfonía. En unos pocos compases, Mahler cambia ingeniosamente la tonalidad de re menor a sol mayor y, en consecuencia, el estado de ánimo cambia de la melancolía a la alegría desenfadada. Con la llegada de esta nueva y brillante tonalidad y el correspondiente cambio de humor, el tempo se vuelve más animado a medida que regresa la sección A. Modern señala que el tempo debe ser muy moderado al principio, pero gradualmente se vuelve más agitado con cada variación. los violonchelos en su registro agudo retoman las cuartas descendentes que marcaron el comienzo de esta sección, y modelan una variación de la primera parte del primer tema, tocada suave pero cautelosamente contra el motivo pizzicato subyacente y un contratema de clarinete.

Las violas y los violonchelos retoman esta corriente de variación de la conciencia hasta que un oboe la capta a un ritmo rápido e invierte la figura ascendente de la variación del violonchelo. Pronto, las cuerdas crean una variación de la segunda parte del tema contra una versión invertida de los fuertes que caen, en instrumentos de viento de madera. Todo esto hecho sin aumentar el nivel dinámico muy suave. En unos compases, clarinetes y fagotes retoman el interludio de viento del apartado anterior. Los violines todavía juegan con la figura de dos notas con la que comenzó esta sección, ahora invertida y reconfigurada melódica y rítmicamente, la figura de dos notas se convierte en un acompañamiento lúdico de las variaciones temáticas que siguen, colocando una versión alargada de su original contra su inversión tocada. a paso ligero.

Las cuerdas se entregan cada vez más a la figuración contrapuntística en una variación libre del primer tema. A medida que aumenta el tempo, los violonchelos amplían su versión de la primera parte del tema como una introducción a otra permutación invertida del motivo anhelante de la segunda parte del tema. La figuración de cuerdas continua realza el ambiente alegre y juguetón, después de que la energía efervescente de la música comienza a menguar y la figuración de cuerdas termina. Un vago recordatorio de los saltos al abismo que aparecieron durante el clímax de la sección B se inmiscuye en la interacción del material temático, que luego se fragmenta, hasta que solo se oye la bocina sobre el motivo de la pared de la caída del segundo menor, un el oboe agrega una nota de dolor en una variación alargada de la melodía quejumbrosa que abrió la primera sección en v, anticipando su regreso. A medida que la sinfonía regresa a la clave de inicio, cambia inmediatamente a la menor en modo frigio para mantener el estado de ánimo melancólico. El quejido del oboe ahora se escucha en el corno inglés, antes de ser repetido una vez más por el oboe, mientras que un cuerno tristemente en tonos un nuevo contratema que invierte la segunda parte del tema del oboe. Lo que falta aquí y a lo largo de la repetición de las secciones B es la versión ágil del motivo pizzicato, los violonchelos en su registro alto reelaboran la segunda parte de la melodía quejumbrosa de oboes con diversas permutaciones del motivo del anhelo que parece soltar un suspiro más enfático, con cada repetición ascendente secuencialmente.

Después de que los violines y las violas arrastran el motivo de nostalgia hacia abajo, la atmósfera se oscurece repentinamente y la tonalidad vuelve a un Do agudo menor, la misma frase melodramática y violines que sacaron a la música del estancamiento durante la sección B anterior. Ahora brota de las profundidades y los violines y se desborda de emoción, ya que se encuentra con la primera parte del tema en clarinetes y trompas. Esta vez, la sección alcanza un clímax más rápido que antes, y con mayor fuerza trágica en una súper octava zambullida en el abismo en los violines que envía escalofríos por la columna vertebral. Los vientos gritan de dolor en un segmento de la primera parte del oboes dicha melodía contra una variación de su segunda parte, presentada como contratema en cuerdas bajas. Un solo de trompeta retoma esta variación, de una manera que recuerda el tema principal del descartado movimiento Blumine de la Primera Sinfonía, la toma de control de los apasionados violines con una efusiva efusión de la segunda parte de la quejumbrosa melodía de oboes. Ahora, en Do sostenido menor, como en la sección B anterior, los violines se emocionan con el motivo del anhelo, y el estado de ánimo se ilumina momentáneamente. A medida que la música se vuelve más apasionada y avanza con mayor urgencia, los intervalos de la figura que cae que pone fin al motivo del anhelo se alargan a medida que asciende cada vez más alto, terminando su ascenso con otro clímax trágico más en zambullidas superpuestas a las profundidades que al menos temporalmente. anhelos destrozados esperanza de bienaventuranza celestial. Los vientos de madera gritan con fuerza en el momento culminante del clímax, en una frase que anticipa parte del tema principal del final de seis sinfonías con el que este movimiento dramático comparte más que un fragmento temático.

Después de un último lamento expresado conmovedoramente en los violonchelos sobre una variación del tema del contador de cuernos que dio comienzo a la repetición de las secciones B La música recupera la compostura rápidamente, enfatizando el surgimiento en segundo lugar, invirtiendo así la segunda parte del tema principal de las secciones B. Las cuerdas se suavizan gradualmente, la sien se afloja y la tonalidad va de mayor a un consolador Fa sostenido mayor que inmediatamente vuelve a la menor. En solo unos pocos compases, Mahler ejecuta una de sus transiciones más brillantes y fluidas, mientras modula ingeniosamente la tecla de inicio para la repetición de la sección A.

Sigue una serie de cinco variaciones en ambas partes del primer tema en una estructura de tempo escalonada, en la que tres secciones de Allegro cada vez más rápidas están rodeadas por mmm Dante es la primera variación y I'm Dante establece un estado de ánimo algo más ligero y melancólico con un tratamiento simple de la primera parte del tema principal de las secciones A, interpretado por un grupo de cámara de cuerdas de rango medio con soporte armónico de clarinete. Después de una larga ausencia, el motivo del bajo pizzicato vuelve a acompañar esta variación, solo para desaparecer una vez más durante las variaciones que siguen.

Cambiando de métrica doble a triple en la conclusión de la primera variación, el motivo subyacente del pizzicato parece saltar un latido. Anticipando el Allegro más animado es lo que sigue? La música parece deslizarse muy suavemente hacia la siguiente variación.
Con su segunda variación, el tempo se vuelve un poco más enérgico y Alligretto Mahler desea enfatizar el inesperado cambio de humor solicitando que comience repentinamente, la primera variación corriendo directamente a la segunda. Elementos de ambas partes del primer tema forman el material musical básico para esta variación a modo de scherzo, su compás cambia a tres octavos, desde tres cuartos, de acuerdo con el aumento del movimiento rítmico. La segunda variación también es más contrapuntística que la primera y se centra en la figuración de semicorcheas y violines contra ritmos en el resto de las cuerdas. Los clarinetes son los únicos triunfos que se escuchan hasta ahora en la serie escalonada de variaciones, decorando este con segundos trinos que caen que recuerdan el segundo movimiento. A pesar de las segundas variaciones de carácter juguetón, comienza tranquilamente, continuando el nivel dinámico moderado de la primera variación. vacilante al principio, la segunda variación se vuelve gradualmente más asertiva, hasta que de repente se suaviza y permanece bastante reservada durante el resto de la variación.

Incluso la versión apasionada del contratema de las secciones B escuchada por primera vez en la trompeta y luego tocada con pasión por los violines, se convierte en una melodía de violín frívola, que parece marcar el tema en el que se basa. Poco a poco, entra toda la orquesta, participando en esta animada fiesta.

La escala móvil llega al comienzo de la siguiente variación, sin darle a la música la oportunidad de recuperar el aliento. De vuelta en sol mayor, la cuarta variación comienza con un tempo mucho más rápido. Una vez más, sin ninguna preparación, cuerdas en staccato, flautín y flautas lanzan una ráfaga de semicorcheas, similar al pasaje que terminó la primera parte del primer tema de la sección A, esta figuración de semicorchea se envuelve alrededor de una variación de la segunda parte de ese tema en el resto de los instrumentos de viento de madera y las cuerdas más bajas, es una variación salvaje que aumenta rápidamente hasta un clímax, brotando con una alegría ilimitada. En un apretado, un choque de platillos parece lanzar la música contra una pared de piedra, ya que termina abruptamente como las variaciones anteriores en una figura de semicorchea que cae y un choque explosivo parece aclarar el aire cuando el tempo vuelve repentinamente a Andante, el tempo el primero. variación.

Como acabamos de escuchar entre el estruendo orquestal del clímax que sigue, emergen cuatro cuernos para calmar las cosas. Tocan tiernamente una melodía basada en una versión invertida del motivo del anhelo, tomada de la segunda parte del tema de las secciones B, formando un pasaje puente de cinco compases hacia la quinta y última variación en el templo que abrió el movimiento. Siempre cantamos suavemente una variación lírica de la segunda parte del tema principal de la sección A, bañada en las hermosas armonías de violín que adornan los temas de la primera parte, las cuerdas combinadas para crear un pasaje de belleza celestial que anticipa la atmósfera del final. La base comienza doblando las armonías del violín en anticipación al estribillo coral del último movimiento. Un cuarteto de trompas y fagot en tercios que se funden, amplía brevemente la primera parte del tema de las secciones A, las cuerdas siguen con una versión del motivo anhelante que se relaciona con el tema principal del primer movimiento, y presagia el tema principal de La Quinta Sinfonía es el movimiento adagietto en tercios deliciosos cuernos y violas entonan suavemente el tema de la resurrección del final de la segunda sinfonías escuchado previamente en el fagot como una variante de la segunda parte del primer tema de la sección A. A medida que los cuernos ascienden por este motivo, se detendrán justo antes de alcanzar una cadencia completa. Mientras silenciosas y sostenidas armonías de cuerdas llenan el aire. Los datos de código que siguen se componen de acordes sostenidos. Basado en las dos notas iniciales de la primera parte del tema, el eco entre los vientos de madera y la cuerda alta estaba en contra del motivo del cortador de pizza y la cuerda grave. La música descansa sobre un acorde de sol mayor suspendido sin la tónica, sobre el cual comienza a descender lentamente el motivo pizzicato.

Al ser natural el primer acorde sostenido que terminó el pasaje que acabamos de escuchar, cuerdas y flautas nos despiertan repentinamente de nuestro sueño de serenidad celestial con una entrada contundente y saltan hacia arriba a una G aguda en un ritmo alegre y punteado que se corta. breve por una pausa de respiración. Este optimista luego cae en una gloriosa explosión orquestal de Mi mayor con arpegios de cuerdas arremolinadas y glissandos de arpa que suenan como la introducción a una pared de Strauss. El tempo se acelera con esta repentina inundación de sonido orquestal, atravesando el diluvio de cuerdas y arpas, arpegios y poderosos acordes de viento. Las trompetas anuncian un nuevo día brillante con una llamada demostrativa que se eleva en un sexto y es inmediatamente bombardeada por un redoble de timbales. Es como si el cielo se hubiera abierto. Recordando los poderosos clímax en movimientos lentos de las últimas sinfonías de Bruckner. Ahora se revela un destello de la ciudad de los sueños celestiales del niño. En el punto álgido de este arrebato orquestal, la versión más rápida del motivo pizzicato se golpea poderosamente en los timbales, reforzando la llamada al cielo, ya que el ritmo rítmico punteado con el que comenzó este segmento se pronuncia ahora majestuosamente por los cuernos. Mientras exponen esta figura asertiva y optimista, los cuernos la remodelan, como por arte de magia en las notas iniciales del tema principal del final, una visión maravillosamente profética de la vida celestial retratada en el final contra las repeticiones de esta figura rítmica punteada en cuernos. , trompetas resuenan en un giro wagneriano que recuerda su introducción a su Kleiner Apel del primer movimiento, al concluir este conmovedor pasaje, el segundo que cae de la primera parte del tema principal de la sección A regresa puntuado por fragmentos del motivo pizzicato en timbales y bajo ella está en repeticiones de una cuarta que cae.

Esta grandiosa visión del cielo ahora se desvanece y la música se calma cuando llegamos al código de cierre. Como acabamos de escuchar, los segundos que caen del primer tema de la sección A, tocados con fagotes y trompas, sirven para que los violines pronuncien tiernamente una versión invertida del motivo del anhelo. Una sensación de serenidad nostálgica impregna la atmósfera. cada repetición de anhelo sube más alto, barrida a su punto más alto en un hermoso glissando que conduce a la clave celestial de un Mahler mayor. Sentimos que hemos alcanzado nuestro objetivo, por fin, acordes sostenidos en una quinta abierta y flautas y cuerdas graves, y un delicado arpegio de arpa ascendente acompaña una versión pentatónica del motivo anhelante. En segundos violines y violas lo que se anticipa sale sobre el aireador. A medida que el templo se afloja, se restablece la tecla de inicio G mayor, un silencio áspero desciende una vez más sobre la música, en acordes sostenidos en las cuerdas. El ritmo se ralentiza gradualmente, y del susurro de armonías de cuerda sostenidas, surge una frase descendente en los segundos violines, anticipando el movimiento de cierre de una de las canciones más bellas de Mahler se ha desarrollado un vínculo en común después del último segundo de caída de este. La frase, las arpas y las cuerdas del bajo tocan tranquilamente la variante pentatónica del motivo de nostalgia, acompañada de suaves acordes sostenidos, instrumentos de viento y cuerdas. Una versión aumentada de ese motivo conduce a una cadencia media en un acorde dominante suspendido, y armónicamente lógica conduce al final, que también comenzará en sol mayor.
Por lo tanto, la transición desde el final del tercero hasta el comienzo del Cuarto Movimiento es una cadencia perfecta. Un resplandor cálido y una calma serena impregnan los compases finales, preparando el escenario para la escena celestial que sigue.


Por Lew Smoley

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